Трагикомедия: жанр литературы, сочетающий трагическое и комическое. Серьезные пьесы со счастливым концом, вызывающие смех и катарсис. История и определение.
Сравнивайте с английским: нажмите на абзац — оригинал откроется в окне. Кнопка EN под абзацем показывает его прямо в тексте.
Содержание
Введение
Жанр драмы и литературы
Genre of drama and literature
Трагикомедия — литературный жанр, сочетающий в себе элементы трагического и комического. Чаще всего встречается в драматической литературе, и этот термин может описывать как трагический спектакль, содержащий достаточно комических элементов, чтобы смягчить общее впечатление, так и серьёзный спектакль со счастливым концом. Трагикомедия, как следует из названия, стремится вызвать у зрителя реакцию, свойственную как трагедии, так и комедии: первая основана на человеческих страданиях, вызывающих катарсис, а вторая — на юморе и развлечении, вызывающих смех.
Tragicomedy is a literary genre that blends aspects of both tragic and comic forms. Most often seen in dramatic literature, the term can describe either a tragic play which contains enough comic elements to lighten the overall mood or a serious play with a happy ending. Tragicomedy, as its name implies, invokes the intended response of both the tragedy and the comedy in the audience, the former being a genre based on human suffering that invokes an accompanying catharsis and the latter being a genre intended to be humorous or amusing by inducing laughter.
Классический прецедент
Нет однозначного формального определения трагикомедии в классическую эпоху. Похоже, что греческий философ Аристотель имел в виду нечто близкое к ренессансному пониманию этого термина (то есть серьезное действие со счастливым концом), когда в «Поэтике» он обсуждает трагедию с двойной развязкой. В этом смысле ряд греческих и римских пьес, например «Алькестида», можно назвать трагикомедиями, хотя и без каких-либо определенных признаков, кроме сюжетной линии. Само слово происходит от римского комедийного драматурга Плавта, который придумал этот термин (tragicomoedia на латыни) с некоторой иронией в прологе к своей пьесе «Амфитрион». Персонаж Меркурий, ощущая нелепость сочетания в комедии королей и богов с слугами, заявляет, что пьесе лучше быть названной «трагикомедией».
There is no concise formal definition of tragicomedy from the classical age. It appears that the Greek philosopher Aristotle had something like the Renaissance meaning of the term (that is, a serious action with a happy ending) in mind when, in Poetics, he discusses tragedy with a dual ending. In this respect, a number of Greek and Roman plays, for instance Alcestis, may be called tragicomedies, though without any definite attributes outside of plot. The word itself originates with the Roman comic playwright Plautus, who coined the term (tragicomoedia in Latin) somewhat facetiously in the prologue to his play Amphitryon. The character Mercury, sensing the indecorum of the inclusion of both kings and gods alongside servants in a comedy, declares that the play had better be a "tragicomoedia":
Италия
Две фигуры способствовали возвышению трагикомедии до статуса самостоятельного жанра, то есть жанра с собственным набором строгих правил. Первым был Джованни Баттиста Жиральди Чинтио, драматург, работавший в середине XVI века, который разработал трактат о драме, основанный на римских комедиях и трагедиях, в отличие от ранних греческих трактатов, ставших образцом для итальянских драматургов того времени. Он отстаивал трактовку трагикомедии, в которой трагический сюжет завершается счастливым или комическим финалом (tragedia a lieto fine), считая такие произведения более подходящими для сценической постановки, а трагедии с печальным концом – для чтения. Еще более значительным был Джованни Баттиста Гуарини. "Il Pastor Fido" Гуарини, опубликованный в 1590 году, вызвал острые критические споры, в которых энергичная защита Гуарини жанровых новшеств в конечном итоге возобладала. Трагикомедия Гуарини отличалась умеренным действием, не уходящим в крайности комедии или трагедии, утонченными персонажами и пасторальной обстановкой. Все эти три элемента стали основополагающими для континентальной трагикомедии на протяжении столетия и более.
Two figures helped to elevate tragicomedy to the status of a regular genre, by which is meant one with its own set of rigid rules. First was Giovanni Battista Giraldi Cinthio, a dramatist working in the mid sixteenth century who developed a treatise on drama modeled on Roman comedies and tragedies as opposed to early Greek based treatises that became the model for Italian dramatists at the time. He argued for a version of tragicomedy where a tragic story was told with a happy or comic ending (tragedia a lieto fine), which he thought were better suited for staged performances as opposed to tragedies with unhappy endings which he thought were better when read. Even more important was Giovanni Battista Guarini. Guarini's Il Pastor Fido, published in 1590, provoked a fierce critical debate in which Guarini's spirited defense of generic innovation eventually carried the day. Guarini's tragicomedy offered modulated action that never drifted too far either to comedy or tragedy, mannered characters, and a pastoral setting. All three became staples of continental tragicomedy for a century and more.
Англия
В Англии, где практика опережала теорию, ситуация была совершенно иной. В шестнадцатом веке "трагикомедия" означала исконно английский вид романтической пьесы, нарушавшей единство времени, места и действия, легко смешивающей персонажей высокого и низкого происхождения и представлявшей фантастические события. Именно эти черты Филипп Сидни осудил в своей жалобе на "непородную трагикомедию" 1580-х годов, и о которых Полоний в пьесе Шекспира дает известное свидетельство: "Лучшие актеры в мире, будь то трагедия, комедия, история, пастораль, комическая пастораль, историческая пастораль, трагическая история, трагикомическая историческая пастораль, отдельная сцена или поэма без границ: Сенека не может быть слишком мрачным, а Плавт – слишком легкомысленным. Ибо закон писания и свобода – вот единственные люди". Некоторые аспекты этого романтического порыва сохраняются даже в творчестве более зрелых драматургов: поздние пьесы Шекспира, которые вполне можно назвать трагикомедиями, часто именуются романами. К началу эпохи Стюартов некоторые английские драматурги усвоили уроки, вытекающие из споров вокруг Гуарини. В 1608 году была поставлена "Верная пастушка" Джона Флетчера – адаптация пьесы Гуарини. В печатном издании Флетчер предложил интересное определение этого термина, заслуживающее пространной цитаты: "Трагикомедия так называется не из-за веселья и убийств, а из-за отсутствия смертей, чего достаточно, чтобы она не была трагедией, но приближает ее к ней, чего достаточно, чтобы она не была комедией". Определение Флетчера сосредоточено прежде всего на событиях: жанр пьесы определяется тем, умирают ли в ней люди, и во вторую очередь – тем, насколько близко действие подходит к смерти. Однако, как показал Юджин Уэйт, трагикомедия, разработанная Флетчером в последующее десятилетие, также обладала объединяющими стилистическими особенностями: внезапными и неожиданными разоблачениями, экстравагантными сюжетами, отдаленными местами действия и постоянным акцентом на вычурную, искусственную риторику. Некоторые современники Флетчера, в частности Филипп Массинджер и Джеймс Ширли, писали популярные трагикомедии. Ричард Бром также пробовал себя в этом жанре, но с меньшим успехом. Многие из их современников, от Джона Форда до Лодовика Карлелла и сэра Астона Кокейна, также обращались к трагикомедии. Трагикомедия оставалась довольно популярной вплоть до закрытия театров в 1642 году, а произведения Флетчера пользовались успехом и в период Реставрации. Старые стили были отброшены по мере изменения вкусов в восемнадцатом веке; "трагедия со счастливым концом" со временем превратилась в мелодраму, которая до сих пор процветает. "Ландгарта" (1640) Генри Бернелла, первая пьеса ирландского драматурга, поставленная в ирландском театре, была автором однозначно определена как трагикомедия. Критическая реакция на пьесу была повсеместно враждебной, отчасти, по-видимому, из-за того, что концовка не была ни счастливой, ни несчастной. Бернелл во введении к печатному изданию пьесы нападками обрушился на критиков за их невежество, указав на то, что, как им должно быть известно, многие пьесы не являются ни трагедией, ни комедией, а "чем-то средним".
In England, where practice ran ahead of theory, the situation was quite different. In the sixteenth century, "tragicomedy" meant the native sort of romantic play that violated the unities of time, place, and action, that glibly mixed high and low born characters, and that presented fantastic actions. These were the features Philip Sidney deplored in his complaint against the "mungrell Tragy comedie" of the 1580s, and of which Shakespeare's Polonius offers famous testimony: "The best actors in the world, either for tragedy, comedy, history, pastoral, pastoral comical, historical pastoral, tragical historical, tragical comical historical pastoral, scene individuable, or poem unlimited: Seneca cannot be too heavy, nor Plautus too light. For the law of writ and the liberty, these are the only men." Some aspects of this romantic impulse remain even in the work of more sophisticated playwrights: Shakespeare's last plays, which may well be called tragicomedies, have often been called romances. By the early Stuart period, some English playwrights had absorbed the lessons of the Guarini controversy. John Fletcher's The Faithful Shepherdess, an adaptation of Guarini's play, was produced in 1608. In the printed edition, Fletcher offered an interesting definition of the term, worth quoting at length: "A tragi comedie is not so called in respect of mirth and killing, but in respect it wants deaths, which is enough to make it no tragedy, yet brings some neere it, which is inough to make it no comedie." Fletcher's definition focuses primarily on events: a play's genre is determined by whether or not people die in it, and in a secondary way on how close the action comes to a death. But, as Eugene Waith showed, the tragicomedy Fletcher developed in the next decade also had unifying stylistic features: sudden and unexpected revelations, outré plots, distant locales, and a persistent focus on elaborate, artificial rhetoric. Some of Fletcher's contemporaries, notably Philip Massinger and James Shirley, wrote popular tragicomedies. Richard Brome also essayed the form, but with less success. And many of their contemporary writers, ranging from John Ford to Lodowick Carlell to Sir Aston Cockayne, made attempts in the genre. Tragicomedy remained fairly popular up to the closing of the theaters in 1642, and Fletcher's works were popular in the Restoration as well. The old styles were cast aside as tastes changed in the eighteenth century; the "tragedy with a happy ending" eventually developed into melodrama, in which form it still flourishes. Landgartha (1640) by Henry Burnell, the first play by an Irish playwright to be performed in an Irish theatre, was explicitly described by its author as a tragicomedy. Critical reaction to the play was universally hostile, partly it seems because the ending was neither happy nor unhappy. Burnell in his introduction to the printed edition of the play attacked his critics for their ignorance, pointing out that as they should know perfectly well, many plays are neither tragedy nor comedy, but "something between".
Позднее развитие
Критика, возникшая после эпохи Возрождения, акцентировала внимание на тематических и формальных аспектах трагикомедии, а не на сюжете. Готтфрид Эфраим Лессинг определил ее как смешение чувств, в котором "серьезность вызывает смех, а боль – удовольствие". Близость трагикомедии к сатире и "черной" комедии указывает на трагикомическое начало в современном театре, начиная с Луиджи Пиранделло, который оказал влияние на многих драматургов, включая Сэмюэля Беккета и Тома Стоппарда. Это также проявляется в драме абсурда. Фридрих Дюрренматт, швейцарский драматург, полагал, что трагикомедия стала неизбежным жанром XX века; он описывает свою пьесу "Визит" (1956) как трагикомедию. Трагикомедия – распространенный жанр в британском театре после Второй мировой войны, в котором работали такие авторы, как Сэмюэл Беккет, Том Стоппард, Джон Арден, Алан Айкборн и Гарольд Пинтер. Постмодернистский роман Владимира Набокова "Бледный огонь" (1962) – трагикомедия, сосредоточенная на елизаветинской драме.
Criticism that developed after the Renaissance stressed the thematic and formal aspects of tragicomedy, rather than plot. Gotthold Ephraim Lessing defined it as a mixture of emotions in which "seriousness stimulates laughter, and pain pleasure." Tragicomedy's affinity with satire and "dark" comedy have suggested a tragicomic impulse in modern theatre with Luigi Pirandello who influenced many playwrights including Samuel Beckett and Tom Stoppard. Also it can be seen in absurdist drama. Friedrich Dürrenmatt, the Swiss dramatist, suggested that tragicomedy was the inevitable genre for the twentieth century; he describes his play The Visit (1956) as a tragicomedy. Tragicomedy is a common genre in post World War II British theatre, with authors as varied as Samuel Beckett, Tom Stoppard, John Arden, Alan Ayckbourn and Harold Pinter writing in this genre. Vladimir Nabokov's postmodern 1962 novel Pale Fire is a tragicomedy preoccupied with Elizabethan drama.
Постмодернистская трагикомедия в США
Американские писатели метамодернистского и постмодернистского направлений обращались к трагикомедии и/или юмору висельника. Ярким примером метамодернистской трагикомедии является magnum opus Дэвида Фостера Уоллеса «Бесконечная шутка» (1996). Уоллес пишет о комедийных аспектах жизни в реабилитационном центре (например, "некоторые люди действительно похожи на грызунов") – месте, пропитанном человеческой трагедией и страданиями. Современные телесериалы, такие как Succession, Killing Eve, Breaking Bad, Better Call Saul, Fleabag, I May Destroy You, BoJack Horseman, South Park, Moral Orel, Barry, Made for Love и The White Lotus, описываются как трагикомедии.
American writers of the metamodernist and postmodernist movements have made use of tragicomedy and/or gallows humor. A notable example of a metamodernist tragicomedy is David Foster Wallace's 1996 magnum opus, Infinite Jest. Wallace writes of comedic elements of living in a halfway house (i. e. "some people really do look like rodents"), a place steeped in human tragedy and suffering. Modern television series including Succession, Killing Eve, Breaking Bad, Better Call Saul, Fleabag, I May Destroy You, BoJack Horseman, South Park, Moral Orel, Barry, Made for Love, and The White Lotus have been described as tragicomedies.