Введение

Европейская имитация японского искусства в XIX и XX веках.

Японизм – французский термин, обозначающий популярность и влияние японского искусства и дизайна на ряд западноевропейских художников в XIX веке после насильственного открытия внешней торговли с Японией в 1858 году. Впервые этот стиль был описан французским искусствоведом и коллекционером Филиппом Бурти в 1872 году. Хотя эффект этого направления наиболее заметно проявился в изобразительном искусстве, он распространился на архитектуру, ландшафтный и садово-парковый дизайн, а также на одежду. Даже исполнительское искусство подверглось влиянию; опера «Микадо» Гилберта и Салливана, пожалуй, является наиболее ярким примером. Начиная с 1860-х годов, гравюры укиё-э стали источником вдохновения для многих западных художников. Эти гравюры создавались для коммерческого рынка в Японии. Японское декоративное искусство, включая керамику, эмали, металлообработку и лаковую миниатюру, оказало на Запад столь же сильное влияние, как и графическое искусство. В эпоху Мэйдзи (1868–1912) японская керамика экспортировалась по всему миру. Благодаря многовековой традиции изготовления оружия для самураев, японские мастера металлообработки достигли выразительного разнообразия цветов благодаря сочетанию и обработке металлических сплавов. Японская эмаль по металлу (клюазоне) пережила свой «золотой век» с 1890 по 1910 год, создавая изделия, превосходящие все предыдущие по совершенству. Эти предметы широко экспонировались в Европе XIX века: на многочисленных всемирных выставках японское декоративное искусство было представлено миллионам зрителей, а галереи и модные магазины охотно приобретали его. Критики, коллекционеры и художники в своих работах выражали огромный энтузиазм по поводу этого «нового» искусства. Коллекционеры, такие как Зигфрид Бинг и Кристофер Дрессер, выставляли и писали об этих произведениях. Таким образом, японские стили и мотивы вновь появились в работах западных художников и мастеров.

Отчуждение (16391858)

В течение большей части периода Эдо (1603–1867) Япония придерживалась политики самоизоляции, и активным оставался лишь один международный порт. Токугава Иэмицу приказал построить у берегов Нагасаки искусственный остров Дедзима, через который Япония осуществляла импорт. Каждый год в Японию прибывали голландцы с флотилиями кораблей, груженных западными товарами для торговли. Среди грузов было множество голландских трактатов по живописи и ряд гравюр. В эпоху самоизоляции японские товары оставались предметом роскоши, пользовавшимся спросом у европейской знати. Производство японского фарфора возросло в XVII веке после того, как корейские мастера-керамисты были привезены в район Кюсю. Иммигранты, их потомки и японские коллеги обнаружили месторождения каолиновой глины и приступили к изготовлению высококачественной керамики. Слияние традиций привело к формированию самобытной японской индустрии, с такими стилями, как Имари и Какиэмон. Позднее они оказали влияние на европейских и китайских керамистов. Роскошным способом демонстрации фарфора в доме было создание фарфоровой комнаты с полками, расставленными повсюду для экспонирования экзотических изделий. Европейская имитация азиатного лака получила название "японская лаковая роспись" (Japanning).

Восстановление (19 век)

В эпоху Каэи (1848–1854), после более чем 200 лет самоизоляции, Японию начали посещать иностранные торговые суда разных стран. После Реставрации Мэйдзи в 1868 году Япония завершила длительный период национальной изоляции и открылась для импорта из Европы, включая фотографию и печатные технологии. С этим новым открытием в торговле японское искусство и предметы старины стали появляться в небольших лавках диковинок в Париже и Лондоне. Японщина (японизм) зародилась как страсть к коллекционированию японского искусства, в особенности гравюр укиё-э. Первые образцы укиё-э были представлены в Париже. В то время европейские художники искали альтернативы строгим европейским академическим методам. Около 1856 года французский художник Феликс Бракемонд наткнулся на копию альбома эскизов «Хокусай Манга» в мастерской своего гравёра Огюста Делатра. В последующие годы после этого открытия интерес к японским гравюрам возрос. Их продавали в лавках диковинок, чайных магазинах и крупных торговых домах. Эти и другие магазины организовывали собрания, способствовавшие распространению информации о японском искусстве и техниках.

Винсент ван Гог

Интерес Винсента ван Гога к японским гравюрам возник, когда он увидел иллюстрации Феликса Регамея, опубликованные в журналах The Illustrated London News и Le Monde Illustré. Регамей создавал ксилографии, используя японские техники и часто изображал сцены из японской жизни, выполненные такими известными художниками, как Хиросиге и Кунисада. Вдохновлённый японскими гравюрами и их яркими цветовыми гаммами, Ван Гог привнёс схожую выразительность в свои собственные произведения.

Альфред Стивенс

Бельгийский художник Альфред Стивенс был одним из первых коллекционеров и энтузиастов японского искусства в Париже. Предметы из мастерской Стивенса иллюстрируют его увлечение японскими и экзотическими безделушками и мебелью. Стивенс был близок с Мане и Джеймсом Макнейлом Уистлером.

Начиная с середины 1860-х годов, японизм стал фундаментальным элементом во многих картинах Стивенса. Одной из его самых известных работ, созданных под влиянием японизма, является «Парижанка в кимоно» (La parisienne japonaise, 1872). Он написал несколько портретов молодых женщин, одетых в кимоно, а японские элементы встречаются во многих других его картинах, таких как ранняя «Дама в розовом» (La Dame en Rose, 1866), которая сочетает изображение модно одетой женщины в интерьере с детальным изображением японских предметов, и «Психея» (1871), где на стуле лежат японские гравюры, свидетельствующие о его художественной страсти.

Эдгар Дега

В 1860-х годах Эдгар Дега начал собирать японские гравюры в магазине «Ла Порте Чиноаз» и других небольших лавках гравюр в Париже. Его современники также увлеклись коллекционированием гравюр, что предоставило ему широкий выбор источников вдохновения. Необычная композиция его женских фигур и стремление к реалистичности в его гравюрах сближали его с японскими мастерами гравюры, такими как Хокусай, Утамаро и Сукэнобу. Дега также продолжал использовать линии для создания глубины и разделения пространства внутри изображения.

Джеймс Макнилл Уистлер

Японское искусство выставлялось в Великобритании начиная с начала 1850-х годов. Эти выставки демонстрировали разнообразные японские предметы, включая карты, письма, ткани и предметы быта. Эти выставки служили источником национальной гордости для Великобритании и способствовали формированию отдельной японской идентичности, отличной от обобщенного "восточного" культурного представления. Джеймс Эбботт Макнил Уистлер – американский художник, работавший преимущественно в Великобритании. В конце XIX века Уистлер стал отказываться от реалистического стиля живописи, популярного среди его современников. Вместо этого он обнаружил простоту и техничность в японской эстетике. Уистлер не копировал конкретных художников или произведения искусства, а находился под влиянием общих японских приемов выразительности и композиции, которые он интегрировал в свои работы.

Японские сады

Эстетика японских садов была представлена англоязычному миру в книге Джосии Кондера «Пейзажное садоводство в Японии» (Kelly & Walsh, 1893), которая положила начало созданию первых японских садов на Западе. Второе издание было опубликовано в 1912 году. Принципы Кондера порой оказывались сложными для применения: Тасса (Сабуро) Эйда создал несколько влиятельных садов, два для Японско-британской выставки в Лондоне в 1910 году и один, строительство которого для Уильяма Уокера, 1-го барона Уэвертри, заняло четыре года. Последний до сих пор можно посетить в Ирландском национальном центре разведения лошадей. В книге Сэмюэля Ньюсона «Строительство японских садов» (1939) японская эстетика была предложена как способ исправить недостатки при создании рокариев, которые своим отдельным происхождением на Западе обязаны стремлению середины XIX века выращивать альпийские растения, имитируя альпийские осыпи. По данным Общества истории садов, японский ландшафтный садовник Сеймон Кусумото принимал участие в создании около 200 садов в Великобритании. В 1937 году он представил рокарий на Челсиском цветочном шоу и работал на поместье Burngreave в Богноре Реджисе, в японском саду в Коттереде (Хертфордшир) и во дворах Ду Кейн-Корт в Лондоне. Художник-импрессионист Клод Моне заимствовал японские элементы для оформления части своего сада в Живерни, например, мост через пруд с кувшинками, который он неоднократно изображал на своих картинах. В этой серии, сосредотачиваясь лишь на нескольких ключевых элементах, таких как мост или кувшинки, он находился под влиянием традиционных японских приемов визуализации, встречающихся в гравюрах укиё-э, большая коллекция которых была у него. Он также посадил большое количество растений, произрастающих в Японии, чтобы придать саду более экзотический вид.

Музеи

В Соединенных Штатах интерес к японскому искусству распространился на коллекционеров и музеи, которые сформировали значительные коллекции, сохранившиеся до наших дней и оказавшие влияние на многие поколения художников. Эпицентром этого увлечения стал Бостон, вероятно, благодаря Изабелле Стюарт Гарднер, одной из первых собирателей азиатского искусства. В результате, Музей изящных искусств в Бостоне сегодня заявляет о владении лучшей коллекцией японского искусства за пределами Японии. Галерея искусств Фрира и Галерея Артура М. Саклера располагают крупнейшей в Соединенных Штатах исследовательской библиотекой азиатского искусства, где японское искусство представлено вместе с работами Уистлера, испытавшими японское влияние.