Каждый хороший мальчик заслуживает внимания: об альбоме The Moody Blues "Every Good Boy Deserves Favour"

Введение

Every Good Boy Deserves Favour — седьмой альбом группы The Moody Blues, вышедший в 1971 году. Альбом занял первое место в британском хит-параде альбомов, а также три недели удерживался на втором месте в США и подарил один сингл, вошедший в топ-40, — "The Story in Your Eyes".

Предыстория

Альбом во многом продолжает стиль своего предшественника, без какой-либо масштабной концепции или темы. Басист Джон Лодж объясняет: "Наш новый альбом должен был стать продолжением того, что мы сделали на *A Question of Balance*. Мы считали, что если что-то получается хорошо, то стоит продолжать двигаться в том же направлении". Гитарист Джастин Хейвард так размышляет об альбоме: "Я думаю, *Every Good Boy Deserves Favour* – это своего рода альбом-поиск, альбом-стремление. Он был записан в период нашего огромного успеха, что вызвало все чувства вины, неполноценности и самосомнения, которые обычно сопровождают подобный успех. Это горько-сладкая пластинка, которая указала направление следующего альбома, который стал точкой".

Написание

Название взято из студенческой мнемонической формулы для нот скрипичного ключа: E G B D F. Эти ноты звучат на фортепиано во время композиции "Procession", и эта тема развивается на протяжении всего альбома. Открывающий трек "Procession" – единственная песня группы, написанная всеми пятью участниками. Она задумывалась как описание истории музыки от начала времен до момента записи альбома. Единственные три слова, звучащие в этом треке – "опустошение", "сотворение" и "общение" – аналогичным образом используются (вместе со многими другими словами, оканчивающимися на "–ция") в композиции "One More Time to Live". Барабанщик Грэм Эдж вспоминает: "В те дни мы были смелы! Мы решили создать произведение, которое покажет историю музыкальной эволюции. Мы начали с первобытных рычащих звуков и ударов по полым бревнам, что переросло в восточную, а затем и в западную музыку". "The Story in Your Eyes" открывает альбом и был очевидным выбором для сингла. Хейвард вспоминает процесс написания песни: "Песня просто вырвалась из моей акустической гитары однажды, когда я был дома. Я играл на своей гитаре Martin D-28, и первым, что пришло мне в голову, был бридж. А затем остальная часть песни сложилась сама собой. Я изначально сознательно видел в ней более жесткую рок-композицию. Примерно за две недели до записи в студии я сделал демо-версию с Майком у него дома, где я играл на гитаре, а он работал над партией фортепиано для аутро. Майк затем записал восемь или двенадцать дорожек Mellotron, переключаясь между разными аппаратами. И она зазвучала хорошо только после того, как он сделал многослойную запись". Текст песни был вдохновлен личными отношениями, но также и внутренней динамикой группы. Он объясняет: "В конечном счете, это всегда о любви, не так ли? Я хотел бы рассказать вам больше, но некоторые детали остаются личными. Несмотря на свою личную природу, "The Story in Your Eyes" также в определенной степени о группе. 'Мы – часть пламени, что горит, и из пепла мы можем построить новый день'. В ней есть своего рода признание, ведь вскоре нам предстояло пережить довольно сложный период". Композиция "Emily's Song" была написана Джоном Лоджем для своей новорожденной дочери. "Nice to Be Here" – причудливая песня Рэя Томаса, в которой он представляет себе концерт, исполняемый лесными зверями на самодельных инструментах. Песня вдохновлена давним восхищением Томаса природой, а также детскими книгами Беатрикс Поттер. Томас вспоминает: "Я люблю рыбалку с детства. Я мог неделями разбивать лагерь у озера и рыбачить. Сначала вся дикая живность разбегается, но через несколько дней они понимают, что ты не представляешь для них угрозы. Они бегают у тебя под ногами, ко мне даже зимородки садились на кончик удочки. Поэтому я был очень рад написать строчку 'Прекрасная погода должна залезть на дерево'. Я снова почувствовал себя маленьким ребенком. И словно оказался в группе, где 'Серебряные пескари устраивали водные балеты, такие удивительные!'". Он с теплотой вспоминает запись: "Песня была очень веселой в записи. Особенно было интересно заставить Джастина сыграть гитарное соло, используя всего одну струну, как лягушка в тексте. Ему даже удалось сократить количество струн до двух!". Задумчивая композиция "You Can Never Go Home" была вдохновлена скорбью. Хейвард вспоминает в более позднем интервью: "Я помню, что тогда переживал эмоционально – я терял людей, и вокруг меня было много горя. Это было трудное время для меня, в первые годы существования The Moodies. Важно помнить о ценности того, что есть сейчас".

The title is taken from the student mnemonic for the lines of the treble clef: E G B D F. These notes are heard on piano during "Procession" and the theme is carried out through the rest of the album. The opening track "Procession" is the group's only song to be written by all five members. It was intended to describe the history of music from the beginning of time until the album's recording. The only three words heard in this track—"desolation", "creation", and "communication"—are similarly used (along with many other " ation" words) in "One More Time to Live". Drummer Graeme Edge remembers, "We had nerve in those days! We decided that we could create a piece that would show the history of musical evolution. We began by making grunting sounds and hitting hollow logs, this evolved into both Eastern music and eventually Western music." "The Story in Your Eyes" opens the album and was a natural choice for a single. Hayward remembers writing the song: "The song just sprung out of my acoustic guitar one day while I was at home. I was just playing my Martin D 28 and the first thing that came to me was the middle eight section. And from there, the rest of the song came together. I deliberately saw it as a more harder rocking song from the outset. Only a couple of weeks before entering the studio, I had done a version of it with Mike at his place, with just me playing the guitar and him working out the piano part for the outro. Mike then did eight or 12 tracks of Mellotron, bouncing from one machine to another. And it only sounded good when he had done it and multitracked it." The lyrics were inspired by a relationship, but also the personal dynamics of the band. He explains, "It's always about a love affair, isn't it? I wish I could tell you more, but some of that is private. Despite its personal nature, "The Story in Your Eyes" is also kind of about the band. 'We're part of the fire that is burning, and from the ashes we can build another day.' There's a kind of confession in it, as we were soon about to go through a rather awkward phase." The track "Emily's Song" was written by John Lodge for his newborn daughter. "Nice to Be Here" is a whimsical Ray Thomas song where he imagines witnessing a concert performed by woodland creatures on makeshift instruments. The song was inspired by Thomas' lifelong admiration of nature with additional inspiration from the children's books by Beatrix Potter. Thomas recalls, "I've loved fishing ever since I was a little kid. I used to camp out by a lake a week at a time fishing. At first all the wildlife buggers off but after you've been there for a few days they realise that you're not any threat to them. They run all over your feet, I've even had kingfishers landing on the end of my rod. So I got a great kick out of writing 'Lovely weather must climb a tree.' I was a little kid again. And I just went through a band really, 'Silver minnows were devising water ballets so surprising'." He remembers the session fondly: "The song was great fun to record. Particularly trying to get Justin to play a guitar solo using only one string, like the frog in the lyrics. He actually managed to get it down to two strings!" The contemplative "You Can Never Go Home" was inspired by grief. Hayward remembers in a later interview, "I remember what I was going through emotionally then – I was losing people and there was a lot of grief around my life. It was a difficult time for me, those early years of the Moodies. It's worth remembering to value what there is now."

Запись

Сессии проходили с ноября 1970 года по март 1971 года, с перерывом в декабре для американского тура, где они выступили в Карнеги-холле. За сессиями вновь наблюдали продюсер Тони Кларк и инженер Дерек Варналс. Основная часть альбома была записана в студии Wessex в Лондоне, а не в их обычной студии Decca в Вест-Хэмпстеде. Хейвард объясняет смену обстановки: "Это было почти своего рода бунтом с нашей стороны. Мы просто хотели перемен ради перемен, гадая, не будет ли лучше записываться в другом месте. Мы также пытались смириться с тем, что наша музыка больше не была андеграундной, а обрела самостоятельную жизнь, и нам приходилось выступать на больших аренах в Америке. Наш новый материал в то время был почти извинительным". Для песни "Procession" Грэм Эдж использовал недавно изобретенный электронный барабанный комплект, который он разработал совместно с Брайаном Гроувсом из Университета Сассекса. Вероятно, это было первое использование электронных барабанов в записи. Эдж описывает технологию: "Передо мной была панель управления. Там были куски резины с серебряной фольгой на обратной стороне, с катушкой, которая двигалась вверх и вниз внутри магнита, создавая сигнал. Когда это работало, это было великолепно, но система была очень чувствительна к любым скачкам или изменениям напряжения. Когда я пытался использовать ее на сцене, вся установка сходила с ума, как только кто-нибудь включал или выключал освещение. Для студийной работы это было нормально, потому что если что-то шло не так, можно было выключить и начать заново!" Он продолжает: "Это было до появления кремниевых чипов, и я использовал транзисторы. У меня было около пяти тысяч транзисторов, и они создавали очень странные поля. Практически все могло вызвать сбой. Дома все работало отлично. И на репетициях тоже, но в первый раз, когда мы попытались использовать установку на сцене, каждый раз, когда включали прожекторы, она сходила с ума, поэтому я от нее отказался". Он размышляет о своих мотивах, побудивших его попробовать новую технологию: "Я всегда чувствовал, что звук барабанов расстроен. Я хотел барабанную установку, которую можно было бы настроить в тональность песни. Именно поэтому люди начали приклеивать пачки сигарет к барабанам, чтобы устранить этот резонанс и не мешать гитарам. И этот комплект был полным провалом, но героическим провалом". В песне "The Story in Your Eyes" Хейвард играет на акустической гитаре в аккомпанементе, а затем добавляет партию электрогитары. Он объясняет: "Сначала я записал акустическую гитару на Martin D 28, вместе с Грэмом Эджем на барабанах, а затем начал работать над этим. Я также удвоил партию акустической гитары. Когда пришло время для электрогитары, я использовал Cherry Red 1963 [Gibson] ES 335, который у меня был с 1968 года. Электрогитара, которая открывает песню — включая фидбэк, настроенный на ноту Ля — и звучит на протяжении всей песни, это ES 335, подключенный напрямую к Normal-каналу AC30 Top Boost, выкрученному на полную мощность. В соло и в конце снова используется ES 335 через Marshall Reverb Fuzz Unit". Хейвард вспоминает влияние Майка Пиндера на аранжировку их песен и то, как он помогал задавать ритм при записи в студии: "Его вклад заключался также в ритме группы, потому что, если послушать ранние записи, основной ритм задает тамбурин, на котором всегда играл Майк. Майк никогда не играл на пианино или чем-то подобном в первом треке. Мы записывали барабаны, бас, гитару, а Майк играл на тамбурине. И мы все следовали за Майком, даже Грэм на барабанах, поэтому он всегда задавал темп. Послушайте ранние записи, и вы увидите, насколько впереди тамбурин, как в "The Story In Your Eyes". Послушайте, песня несет его, это так просто". При записи "My Song" Майка Пиндера, артист хотел, чтобы его вокал звучал так, будто он находится вне мира, смотрит на него сверху вниз, как астронавт в открытом космосе. Чтобы добиться этого эффекта, инженеры Дерек Варналс и Дэвид Бейкер сконструировали для него большую картонную коробку, которую он надевал на голову. Варналс вспоминает: "Затем я отфильтровал сигнал, чтобы он звучал как передача из космоса. Мы пытались создать что-то серьезное, но все истерически смеялись, все, кроме Майка, который был единственным, кто не понимал, что мы видим: совершенно комичную картину человека, стоящего неподвижно с коробкой на голове. В итоге это звучало немного похоже на Дарта Вейдера, но это было за несколько лет до выхода "Звездных войн"".

Sessions ran from November 1970 to March 1971, with a break in December for an American tour where they played Carnegie Hall. The sessions were again overseen by producer Tony Clarke and engineer Derek Varnals. The bulk of the album was recorded at Wessex, London instead of their usual Decca studio in West Hampstead. Hayward explains the change in setting: "It was almost a kind of rebellion by us. It was really change for change's sake as we wondered if the grass would be greener recording elsewhere. We were also trying to come to terms with the fact that our music was no longer 'underground' but had taken on a life of its own and we were having to perform in large arenas in America. Our new material was almost apologetic in its approach at that time." For "Procession", Graeme Edge uses a recently invented electronic drum kit, which Edge developed with Brian Groves of Sussex University. Its use likely represents the first use of an electronic drum kit on record. Edge describes the technology: "I had a control panel in front of me. There were pieces of rubber with silver paper on the back, with a coil that moved up and down inside a magnet which produced a signal. When it worked it was superb, but it was very sensitive to any surge or change in electricity. When I tried to use it on stage the whole kit would go bananas as soon as anyone turned stage lighting on and off. It was okay for studio use as if it went haywire you could turn it off and start all over again!" He continues, "This was before silicon chips, you see, and I was using transistors. I had something like five thousand transistors in there and it used to set up some really weird fields. Just about anything would set it off. It used to work great at home. And it worked great in rehearsal, but the first time we tried to use it on stage every time we tried to use the spotlights they'd set it off, so I just retired it." He reflects on his motivations for trying the new technology: "I was always conscious of the drum's ring being out of tune. So I wanted a drumkit that you could tune to the key of a song. That's why people started to tape cigarette packets to drums and all that—to eliminate that ring so it wouldn't mess with the guitars. And that kit was a dismal failure—but a heroic failure." On "The Story in Your Eyes", Hayward plays acoustic guitar on the backing track, with electric guitar later overdubbed. He explains, "I first put the acoustic guitar down using the Martin D 28, with myself and Graeme Edge on drums, and then worked on it from there. I also double tracked the acoustic. When it came time for the electric guitar part, I used a Cherry Red 1963 [Gibson] ES 335 that I've had since 1968. The electric guitar that opens the song — including feedback that's in tune to an A note — and goes all the way through the song is the ES 335 direct into the Normal channel of an AC30 Top Boost turned up full. In the solo and at the end, that's the ES 335 again through a Marshall Reverb Fuzz Unit." Hayward reflects on Mike Pinder's influence in arranging their songs and how he helped drive the rhythm when recording songs in the studio: "His contribution was also in the rhythm of the band, because if you listen to the early records, the main rhythm is held by a tambourine, which was always being played by Mike. Mike would never play piano or anything on the first track. We'd do drums, bass, guitar, and Mike on tambourine. And it was Mike who we would follow all of us, even Graeme on drums, would follow Mike, and so his was always the tempo. You listen to the early records, you see how far up front the tambourine is, like in "The Story In Your Eyes". You listen, it's carried by a tambourine, it's so simple."" In recording Mike Pinder's "My Song", the artist desired that his vocals sound like he was outside the world, looking down on it, like an astronaut on a spacewalk. To achieve the effect engineers Derek Varnals and David Baker constructed him a large carton to wear over his head. Varnals remembers, "I then filtered the signal to make it sound like a transmission from space. We were trying to create something serious, but everyone was laughing hysterically—everyone except Mike, who was the only person who couldn’t see what we were seeing: a quite Monty Python–like image of someone standing perfectly still with a box covering his head. It eventually ended up sounding a bit like Darth Vader, but this was several years before Star Wars was made."

Обложка альбома

Обложка, созданная художником Филом Трэверсом, была вдохновлена работой «Der Kristall» («Кристалл») немецкой художницы Суламит Вюльфинг.

Релиз

Альбом был сведен и выпущен как в стерео, так и в квадрофоническом звучании. В апреле 2007 года альбом был ремастерирован в формате SACD и переиздан с двумя дополнительными треками. В 2008 году был выпущен ремастер для стандартного аудио-CD с теми же бонусными треками.