Введение
Ранги различных жанров в искусстве с точки зрения их престижа и культурной ценности. Иерархия жанров – это любая формализация, ранжирующая различные жанры в искусстве по степени их престижа и культурной значимости. В литературе эпос считался высшей формой, что объяснялось так, как выразился Сэмюэл Джонсон в своей «Жизни Джона Мильтона»: «По общему мнению критиков, высшая похвала гению причитается автору эпической поэмы, поскольку она требует сочетания всех способностей, каждая из которых сама по себе достаточна для создания других произведений». Далее шли лирическая и комедийная поэзия, с аналогичной иерархией в драматургии. Роману потребовалось много времени, чтобы занять прочное место в этой иерархии, что произошло лишь с угасанием веры в какую-либо систематическую иерархию форм в XIX веке. В музыке произведения с текстом ценились выше, чем чисто инструментальные, по крайней мере, до эпохи барокко, а опера сохраняла более высокий статус на протяжении долгого времени. Статус произведения также зависел от количества задействованных исполнителей и певцов: произведения, написанные для больших составов, которые, безусловно, сложнее создавать и дороже исполнять, пользовались большим уважением. Однако любой комедийный элемент снижал статус произведения, хотя, как и в других видах искусства, часто повышал его популярность. Иерархии в изобразительном искусстве были впервые сформулированы для живописи в Италии XVI века и оставались практически неизменными до начала XIX века. Они были формализованы и продвигались академиями в Европе с XVII по современную эпоху, среди которых наиболее влиятельной стала Французская академия живописи и скульптуры, игравшая центральную роль в академическом искусстве. Полностью сформированная иерархия различала:
A hierarchy of genres is any formalization which ranks different genres in an art form in terms of their prestige and cultural value. In literature, the epic was considered the highest form, for the reason expressed by Samuel Johnson in his Life of John Milton: "By the general consent of criticks, the first praise of genius is due to the writer of an epick poem, as it requires an assemblage of all the powers which are singly sufficient for other compositions." Below that came lyric poetry, and comic poetry, with a similar ranking for drama. The novel took a long time to establish a firm place in the hierarchy, doing so only as belief in any systematic hierarchy of forms expired in the 19th century. In music, settings of words were accorded a higher status than merely instrumental works, at least until the Baroque period, and opera retained a superior status for much longer. The status of works also varies with the number of players and singers involved, with those written for large forces, which are certainly more difficult to write and more expensive to perform, given higher status. Any element of comedy reduced the status of a work, though, as in other art forms, often increased its popularity. The hierarchies in figurative art are those initially formulated for painting in 16th century Italy, which held sway with little alteration until the early 19th century. These were formalized and promoted by the academies in Europe between the 17th century and the modern era, of which the most influential became the French Académie de peinture et de sculpture, which held a central role in Academic art. The fully developed hierarchy distinguished between:
History painting, including historically important, religious, mythological, or allegorical subjects
Portrait painting
Genre painting or scenes of everyday life
Landscape and cityscape art (landscapists were called "common footmen in the Army of Art" by the Dutch theorist Samuel van Hoogstraten)
Animal painting
Still life
The hierarchy was based on a distinction between art that made an intellectual effort to "render visible the universal essence of things" (imitare in Italian) and that which merely consisted of "mechanical copying of particular appearances" (ritrarre). Idealism was privileged over realism in line with Renaissance Neo Platonist philosophy. The term is mostly used within the field of painting, and from the High Renaissance onwards, by which time painting had asserted itself as the highest form of art. This had not been the case in Medieval art and the art commissioning sectors of society took a considerable period to fully accept this view. The Raphael Cartoons are a clear example of the continuing status of tapestry, the most expensive form of art in the 16th century. In the Early Medieval period lavish pieces of metalwork had typically been the most highly regarded, and valuable materials remained an important ingredient in the appreciation of art until at least the 17th century. Until the 19th century the most extravagant objets d'art remained more expensive, both new and on the art market, than all but a few paintings. Classical writings which valued the supreme skills of individual artists were influential, as well as developments in art which allowed the Renaissance artist to demonstrate their skill and invention to a greater degree than was usually possible in the Middle Ages.
Историческую живопись, включающую исторически значимые, религиозные, мифологические или аллегорические сюжеты.
Портретную живопись.
Жанровую живопись или сцены из повседневной жизни.
Пейзажную и городскую живопись (ландшафтных художников голландский теоретик Самуэль ван Хогстратен называл «обычными лакеями в армии искусства»).
Анималистическую живопись.
Натюрморт.
A hierarchy of genres is any formalization which ranks different genres in an art form in terms of their prestige and cultural value. In literature, the epic was considered the highest form, for the reason expressed by Samuel Johnson in his Life of John Milton: "By the general consent of criticks, the first praise of genius is due to the writer of an epick poem, as it requires an assemblage of all the powers which are singly sufficient for other compositions." Below that came lyric poetry, and comic poetry, with a similar ranking for drama. The novel took a long time to establish a firm place in the hierarchy, doing so only as belief in any systematic hierarchy of forms expired in the 19th century. In music, settings of words were accorded a higher status than merely instrumental works, at least until the Baroque period, and opera retained a superior status for much longer. The status of works also varies with the number of players and singers involved, with those written for large forces, which are certainly more difficult to write and more expensive to perform, given higher status. Any element of comedy reduced the status of a work, though, as in other art forms, often increased its popularity. The hierarchies in figurative art are those initially formulated for painting in 16th century Italy, which held sway with little alteration until the early 19th century. These were formalized and promoted by the academies in Europe between the 17th century and the modern era, of which the most influential became the French Académie de peinture et de sculpture, which held a central role in Academic art. The fully developed hierarchy distinguished between:
History painting, including historically important, religious, mythological, or allegorical subjects
Portrait painting
Genre painting or scenes of everyday life
Landscape and cityscape art (landscapists were called "common footmen in the Army of Art" by the Dutch theorist Samuel van Hoogstraten)
Animal painting
Still life
The hierarchy was based on a distinction between art that made an intellectual effort to "render visible the universal essence of things" (imitare in Italian) and that which merely consisted of "mechanical copying of particular appearances" (ritrarre). Idealism was privileged over realism in line with Renaissance Neo Platonist philosophy. The term is mostly used within the field of painting, and from the High Renaissance onwards, by which time painting had asserted itself as the highest form of art. This had not been the case in Medieval art and the art commissioning sectors of society took a considerable period to fully accept this view. The Raphael Cartoons are a clear example of the continuing status of tapestry, the most expensive form of art in the 16th century. In the Early Medieval period lavish pieces of metalwork had typically been the most highly regarded, and valuable materials remained an important ingredient in the appreciation of art until at least the 17th century. Until the 19th century the most extravagant objets d'art remained more expensive, both new and on the art market, than all but a few paintings. Classical writings which valued the supreme skills of individual artists were influential, as well as developments in art which allowed the Renaissance artist to demonstrate their skill and invention to a greater degree than was usually possible in the Middle Ages.
Эта иерархия основывалась на различии между искусством, которое стремилось интеллектуально «отобразить универсальную сущность вещей» (imitare в итальянском языке), и тем, что ограничивалось «механическим копированием частных проявлений» (ritrarre). Идеализм превалировал над реализмом в соответствии с философией неоплатонизма эпохи Возрождения. Этот термин чаще всего используется в контексте живописи, начиная с Высокого Возрождения, когда живопись утвердилась как высшая форма искусства. В средневековом искусстве это не было так, и общественным структурам, занимающимся заказом произведений искусства, потребовалось значительное время, чтобы полностью принять эту точку зрения. Рафаэлевские картоны являются ярким примером продолжавшегося статуса гобелена – самой дорогой формы искусства в XVI веке. В раннем Средневековье роскошные изделия из металла обычно ценились выше всего, а ценные материалы оставались важным фактором при оценке искусства, по крайней мере, до XVII века. Вплоть до XIX века самые экстравагантные предметы декоративно-прикладного искусства оставались дороже, как новые, так и на художественном рынке, чем почти все картины. Влияние оказали классические труды, высоко оценивавшие мастерство отдельных художников, а также развитие искусства, которое позволило художникам эпохи Возрождения в большей степени, чем в Средние века, демонстрировать свои навыки и изобретательность.
A hierarchy of genres is any formalization which ranks different genres in an art form in terms of their prestige and cultural value. In literature, the epic was considered the highest form, for the reason expressed by Samuel Johnson in his Life of John Milton: "By the general consent of criticks, the first praise of genius is due to the writer of an epick poem, as it requires an assemblage of all the powers which are singly sufficient for other compositions." Below that came lyric poetry, and comic poetry, with a similar ranking for drama. The novel took a long time to establish a firm place in the hierarchy, doing so only as belief in any systematic hierarchy of forms expired in the 19th century. In music, settings of words were accorded a higher status than merely instrumental works, at least until the Baroque period, and opera retained a superior status for much longer. The status of works also varies with the number of players and singers involved, with those written for large forces, which are certainly more difficult to write and more expensive to perform, given higher status. Any element of comedy reduced the status of a work, though, as in other art forms, often increased its popularity. The hierarchies in figurative art are those initially formulated for painting in 16th century Italy, which held sway with little alteration until the early 19th century. These were formalized and promoted by the academies in Europe between the 17th century and the modern era, of which the most influential became the French Académie de peinture et de sculpture, which held a central role in Academic art. The fully developed hierarchy distinguished between:
History painting, including historically important, religious, mythological, or allegorical subjects
Portrait painting
Genre painting or scenes of everyday life
Landscape and cityscape art (landscapists were called "common footmen in the Army of Art" by the Dutch theorist Samuel van Hoogstraten)
Animal painting
Still life
The hierarchy was based on a distinction between art that made an intellectual effort to "render visible the universal essence of things" (imitare in Italian) and that which merely consisted of "mechanical copying of particular appearances" (ritrarre). Idealism was privileged over realism in line with Renaissance Neo Platonist philosophy. The term is mostly used within the field of painting, and from the High Renaissance onwards, by which time painting had asserted itself as the highest form of art. This had not been the case in Medieval art and the art commissioning sectors of society took a considerable period to fully accept this view. The Raphael Cartoons are a clear example of the continuing status of tapestry, the most expensive form of art in the 16th century. In the Early Medieval period lavish pieces of metalwork had typically been the most highly regarded, and valuable materials remained an important ingredient in the appreciation of art until at least the 17th century. Until the 19th century the most extravagant objets d'art remained more expensive, both new and on the art market, than all but a few paintings. Classical writings which valued the supreme skills of individual artists were influential, as well as developments in art which allowed the Renaissance artist to demonstrate their skill and invention to a greater degree than was usually possible in the Middle Ages.
Искусство эпохи Возрождения
Иерархия возникла в результате борьбы за признание живописи как одного из свободных искусств, а затем – споров об установлении равного или более высокого статуса по отношению к архитектуре и скульптуре. Эти вопросы считались чрезвычайно важными художниками-теоретиками, такими как Леон Баттиста Альберти, Леонардо да Винчи и Джорджо Вазари. Леонардо утверждал, что интеллектуальные усилия, необходимые для создания иллюзии трехмерности, делают живопись превосходящей скульптуру, скульптор же может достичь этого, лишь фиксируя видимое. В своем трактате «О живописи» (De Pictura) 1441 года Альберти утверждал, что многофигурная историческая живопись является благороднейшей формой искусства, поскольку она наиболее сложна, требует мастерства во всех остальных областях, представляет собой визуальную форму истории и обладает наибольшим потенциалом для воздействия на зрителя. Он подчеркивал способность изображать взаимодействие между фигурами посредством жестов и выражений. Теоретики раннего и Высокого Возрождения признавали важность точного изображения природы, по крайней мере, до поздних работ Микеланджело, находившегося под сильным влиянием неоплатонизма. К моменту появления теоретиков маньеризма, таких как Джан Паоло Ломаццо и Федерико Зуккари (оба также были художниками), это стало гораздо менее приоритетным. Оба подчеркивали красоту как «нечто, непосредственно внушенное уму человека от разума Божьего и существующее там независимо от каких-либо чувственных впечатлений» – взгляд, который несомненно еще больше снизит статус произведений, зависящих от реализма. На практике иерархия мало отличалась от средневековой и классической мысли, за исключением того, что светская историческая живопись была поставлена в один ряд с религиозным искусством, а также проводилось различие (не всегда четкое) между статичными иконными религиозными сюжетами и сценами с изображением фигур в действии, при этом последним отдавался более высокий статус. Идеи приличия также влияли на иерархию: комические, вульгарные или просто легкомысленные сюжеты или их трактовка считались менее значимыми, чем возвышенные и моральные. В эпоху Возрождения пейзаж, жанровые сцены и натюрморты едва ли существовали как устоявшиеся жанры, поэтому обсуждение статуса или важности различных типов живописи в основном касалось исторических сюжетов по сравнению с портретами, изначально небольшими и скромными, а также иконными религиозными и мифологическими сюжетами. Для большинства художников определенная степень реализма была необходима в портрете; немногие могли позволить себе столь смелый подход, как Микеланджело, который в значительной степени игнорировал реальную внешность Медичи в скульптурах Капеллы Медичи, предположительно говоря, что через тысячу лет никто не заметит разницы (подобную реплику, как говорят, использовал и Гейнсборо, но с более коротким сроком). Многие портреты были чрезвычайно льстивыми, что можно было оправдать обращением к идеализму, а также тщеславию модели; теоретик Арменини утверждал в 1587 году, что «портреты выдающихся художников считаются написанными в лучшем стиле [маньере] и с большим совершенством, чем другие, но чаще всего они менее похожи». С другой стороны, многие придворные и их родители, поклонники или придворные жаловались на то, что художники совершенно не смогли передать реальную внешность модели. Вопрос о приличии в религиозном искусстве стал предметом пристального внимания Католической церкви после декретов о искусстве Тридентского собора 1563 года. Картины, изображающие библейские события, как будто они происходили в домах богатых современных итальянцев, подверглись критике и вскоре исчезли. До вызова, брошенного Караваджо в конце века, религиозное искусство стало полностью идеализированным.
Искусство XVII и XVIII веков
Новые жанры пейзажа, жанровой живописи, живописи животных и натюрморта утвердились в 17 веке, с фактическим прекращением религиозной живописи в протестантских странах и расширением круга покупателей картин за счет процветающего среднего класса. Хотя подобные процессы происходили во всех развитых европейских странах, они были наиболее заметны в чрезвычайно продуктивных школах голландской живописи Золотого века и фламандского барокко. Однако не появилось теоретиков, отстаивавших новые жанры, и немногочисленные голландские теоретические работы Кареля ван Мандера, Самуэля Диркса ван Хогстратена, Жерара де Лайресса и других в основном сводились к пересказу итальянских взглядов, из-за чего их сочинения могут показаться странно противоречащими тому голландскому искусству, которое создавалось в их время. Художники в целом принимали иерархию, и даже жанровые специалисты, такие как Ян Стин, Карел Дюжардин и Вермеер, создавали несколько исторических картин, которые лучше оплачивались при наличии заказов, но в целом их было гораздо сложнее продать. Несчастливая история последнего исторического заказа Рембрандта, «Заговор Клавдия Цивиля» (1661), иллюстрирует как его приверженность этому жанру, так и трудности, с которыми он сталкивался в поиске зрителей. Во Фландрии, наряду с большим количеством чисто жанровых работ, наблюдалась тенденция к историческим картинам с выраженным жанровым элементом – будь то животные, пейзаж или натюрморт. Часто разные элементы писали разные художники; Рубенс и Франс Снайдерс часто сотрудничали таким образом. Размер картин и, зачастую, цены, которые за них получали, все больше отражали их место в иерархии. До эпохи романтизма цену и востребованность пейзажей можно было повысить, добавляя небольшие мифологические или религиозные фигуры, создавая пейзаж с персонажами, практика, восходящая к истокам пейзажной живописи во фламандских пейзажах Йоахима Патинира начала 16 века. Фламандское барокко было последней школой, которая часто писала низшие жанры в больших форматах, но обычно в сочетании с фигурами. Влиятельное высказывание Андре Фелибьена, историографа, архитектора и теоретика французского классицизма 1667 года, стало классическим изложением теории 18 века: «Тот, кто безупречно пишет пейзажи, стоит выше того, кто пишет только фрукты, цветы или раковины. Тот, кто изображает живых животных, более ценен, чем тот, кто изображает только мертвые и неподвижные вещи; и поскольку фигура человека – самое совершенное творение Бога на земле, то, несомненно, тот, кто подражает Богу, рисуя человеческие фигуры, намного превосходит всех остальных. Художник, который пишет только портреты, еще не достиг высшего совершенства в искусстве и не может претендовать на честь, которой удостаиваются самые просвещенные. Для этого нужно перейти от изображения одной фигуры к изображению нескольких вместе; нужно обращаться к истории и басне; нужно изображать великие события, как историки, или приятные сюжеты, как поэты; и, поднимаясь еще выше, нужно уметь скрывать под покровом басни добродетели великих людей и самые сокровенные тайны». Тот, кто создает совершенные пейзажи, выше того, кто производит только фрукты, цветы или ракушки. Тот, кто рисует живых животных, более почитаем, чем те, кто изображает только мертвые вещи без движения, и поскольку человек является самым совершенным творением Бога на земле, то также верно, что тот, кто становится подражателем Бога в изображении человеческих фигур, намного превосходит всех остальных. Художник, который делает только портреты, все еще не имеет высшего совершенства своего искусства и не может ожидать чести, причитающейся самому опытному. Для этого он должен перейти от изображения одной фигуры к нескольким вместе; история и миф должны быть изображены; великие события должны быть представлены как историками, или как поэты, темы, которые будут радовать, и поднимаясь еще выше, он должен иметь умение скрывать под завесой мифа добродетели великих людей в аллегории, и тайны, которые они раскрывают». Аллегорическая живопись возвышалась над другими видами исторической живописи; вместе они составляли высокий жанр, включавший картины с религиозными, мифологическими, историческими, литературными или аллегорическими сюжетами – они воплощали ту или иную интерпретацию жизни или передавали моральное или интеллектуальное послание. Боги и богини из древних мифологий представляли различные аспекты человеческой психики, фигуры из религий – различные идеи, а история, как и другие источники, представляла собой диалектику или игру идей. Сюжеты с несколькими фигурами ценились выше, чем с одной фигурой. Долгое время, особенно во время Французской революции, историческая живопись часто была сосредоточена на изображении героического мужского обнаженного тела; однако эта тенденция ослабла в 19 веке. После исторической живописи шли, в порядке убывания ценности: портреты, сцены из повседневной жизни (называемые «сценами жанра», или «жанровая живопись», а также «petit genre» в отличие от «grande genre»), пейзажи, живопись животных и, наконец, натюрморты. В его формулировке такие картины были хуже, потому что они были лишь описательными, лишенными моральной силы или художественного воображения. Жанровая живопись – ни идеальная по стилю, ни возвышенная по сюжету – восхищала своим мастерством, изобретательностью и даже юмором, но никогда не смешивалась с высоким искусством. Иерархия жанров соответствовала и иерархии форматов: большой формат для исторической живописи, маленький формат для натюрмортов. Это иногда нарушалось в прошлом, особенно в больших фламандских работах, а также в монументальном «Молодом быке» голландского художника Паулюса Поттера и в большем из двух полотен «Мясной лавки» Аннибале Карраччи. Но в основном относительные цены, которые можно было получить за разные жанры, обеспечивали и иерархию размеров; было бы неэкономично писать очень большие картины из низших жанров, за исключением заказных групповых портретов. Рубенс писал свои самые большие пейзажи для собственных домов. Использование живописных элементов, таких как линия и цвет, для передачи конечной объединяющей темы или идеи считалось высшим выражением искусства, и в искусстве принимался идеализм, согласно которому формы, увиденные в природе, обобщались и, в свою очередь, подчинялись единству произведения искусства. Это было направлено на постижение универсальной истины через подражание природе. Позднее несогласные теоретики, такие как Готтфрид Эфраим Лессинг, считали, что эта сосредоточенность на аллегории была ошибочной и основана на неправильной аналогии между изобразительными искусствами и поэзией, уходящей корнями в горацианский принцип «ut pictura poesis» («как живопись, так и поэзия»). Британский художник сэр Джошуа Рейнольдс в своих «Рассуждениях» 1770-х и 1780-х годов повторил аргумент о том, что натюрморт занимает самое низкое место в иерархии жанров, поскольку он мешает художнику получить доступ к центральным формам, продуктам обобщающей силы разума. На вершине находилась историческая живопись, сосредоточенная на человеческом теле: знакомство с формами тела позволяло разуму художника, сравнивая бесчисленные экземпляры человеческой формы, выделять из нее типичные или центральные черты, представляющие сущность или идеал тела. Хотя Рейнольдс соглашался с Фелибиеном о естественном порядке жанров, он считал, что выдающееся произведение из любого жанра живописи может быть создано под рукой гения: «Будь то человеческая фигура, животное или даже неодушевленные предметы, нет ничего, сколь бы неприглядным это ни казалось, что не могло бы быть возведено в достоинство, передавать чувства и вызывать эмоции в руках художника-гения. То, что было сказано о Вергилии, что он бросал даже навоз вокруг с достоинством, может быть…
19 век
Романтизм значительно повысил статус пейзажной живописи, начиная с британского искусства, а затем и жанровой живописи, которая начала оказывать влияние на историческую живопись, особенно в анекдотических трактовках стиля трубадуров во Франции и аналогичных тенденциях в других странах. Пейзажи увеличивались в размерах, отражая их возросшую значимость, и часто по масштабу не уступали историческим полотнам, особенно в американской школе реки Гудзон и русской живописи. Живопись животных также становилась больше и приобретала больше достоинства, однако полноростовые портреты, даже членов королевской семьи, в основном предназначались для крупных общественных зданий. До середины XIX века женщинам в значительной степени было недоступно создание исторических картин, поскольку им не разрешалось участвовать в завершающей стадии художественного образования – рисовании с натуры, чтобы сохранить их целомудрие. Они могли работать с рельефов, гравюр, слепков и копировать старых мастеров, но не рисовать обнажённую натуру. Вместо этого их поощряли заниматься менее престижными жанрами, такими как портрет, пейзаж и жанровая живопись, которые считались более подходящими для женщин, поскольку апеллировали к чувствам, а не к интеллекту. К концу XIX века художники и критики начали бунтовать против многочисленных правил Французской академии, в том числе против привилегированного статуса исторической живописи, которую стали приобретать преимущественно государственные учреждения, в то время как частные коллекционеры отдавали предпочтение сюжетам из более низких слоёв иерархии. В Британии движение прерафаэлитов попыталось возродить историческую живопись, но с переменным успехом; подобные попытки предпринимались и другими течениями. Многие прерафаэлиты завершили свою карьеру, посвятив себя преимущественно другим жанрам. Новые художественные направления, такие как реализм и импрессионизм, стремились запечатлеть текущий момент и повседневную жизнь, увиденные глазом, без привязки к исторической значимости; реалисты часто обращались к жанровой живописи и натюрмортам, а импрессионисты – преимущественно к пейзажам.