Порог мечты (On the Threshold of a Dream) – 4-й альбом The Moody Blues (1969). Первый №1 в UK! Определяющий альбом группы, классика психоделического рока.
Сравнивайте с английским: нажмите на абзац — оригинал откроется в окне. Кнопка EN под абзацем показывает его прямо в тексте.
Содержание
Введение
On the Threshold of a Dream – четвёртый альбом группы Moody Blues, вышедший в апреле 1969 года на лейбле Deram. Альбом возглавил хит-парады альбомов, став первым альбомом группы, занявшим первое место в Великобритании. По словам гитариста Джастина Хейварда: «Я считаю, что Threshold – определяющий альбом для Moody Blues. И это тот альбом 60-х, который можно было найти в домах людей, когда приходишь в гости».
On the Threshold of a Dream is the fourth album by the Moody Blues, released in April 1969 on the Deram label. The album reached the top of the album charts, the group's first No. 1 album in the UK. According to guitarist Justin Hayward, "I think Threshold is the defining album for the Moody Blues. And it's the one in the '60's that you would find in people's homes when you went, they would have that album."
Предыстория
Альбом был записан в январе 1969 года после завершения первого тура группы по Северной Америке. Выпущенный в апреле 1969 года, спустя девять месяцев после предыдущего альбома In Search of the Lost Chord и за семь месяцев до следующего, To Our Children's Children's Children, он отразил период интенсивной и плодотворной работы для группы. Гитарист Джастин Хейвард вспоминает: "В 60-е годы мы неслись на полном ходу, усердно работая над музыкой, не уделяя много времени гастролям. Мы просто возвращались в студию и двигались вперёд."
The album was recorded in January 1969 after concluding the group's first tour of North America. Released in April 1969, nine months after its predecessor, In Search of the Lost Chord and seven months before its successor, To Our Children's Children's Children, the album marked a busy time of rapid creative output from the band. Guitarist Justin Hayward remembers, "We were on a fast train in the '60s with our heads down, plowing away at this stuff, never really doing that much on the road. Just going back in the studio and moving forward."
Написание
Как и его предшественники, On the Threshold of a Dream является концептуальным альбомом, но имеет более свободную тему, чем Days of Future Passed и In Search of the Lost Chord. Название альбома отражает надежды духа времени эпохи flower power и Вудстока, а также веру в то, что общество стоит на пороге новой эры сознания, нового просвещения. Название придумал Майк Пиндер в разговоре со своим другом и ведущим BBC Дэвидом Саймондсом. Пиндер вспоминает: "Примерно на середине работы над альбомом, когда мы обсуждали варианты названий, я помню, как мы говорили о том, что вот мы здесь, только что пережили 1967 год в кафтанах; все были на улицах, и это было весело, с flower power и всем этим. Мы думали: "Эй, мы на пороге нового сознания, нового взгляда на вещи". И мы говорили об этом, и казалось, что мы находимся "на грани человеческой мечты, мечты человечества", и Дэйв сказал "threshold" (порог), а я добавил "of a dream" (мечты), и это было идеально". Гитарист Джастин Хейвард продолжает: "Мы, вероятно, [слишком серьезно относились к себе]. Но это было вполне оправданно. Чтобы делать то, что мы делали, мы должны были в это верить. Это исходило от сердца. Но в то время у нас была репутация людей, которые так думают. Я чувствовал, что выражаю мнение многих других людей конца 60-х. Я хотел написать о нашем поиске просветления, и все. Я до сих пор этим занимаюсь". Басист Джон Лодж вспоминает творческий процесс группы: каждый участник приносил идеи, связанные с темой альбома, а затем они вместе работали над песнями во время записи: "Все мы руководствовались одной и той же темой. Но поскольку мы были разными людьми, играли на разных инструментах и звучали по-разному, каждая песня получалась уникальной, несмотря на общую тему". Он продолжает: "Когда мы приходили в студию, у нас был кофейный столик; мы садились вокруг него и обсуждали песню. Если я написал песню, которую хотел включить в альбом, я играл ее остальным, сидя за этим столом, и каждый вносил свою интерпретацию. Как только песня была сыграна остальным, она действительно становилась песней The Moody Blues. Мы полностью доверяли остальным участникам группы, зная, что они сделают все возможное, чтобы песня зазвучала наилучшим образом". Альбом начинается со spoken word вступления, вдохновленного философским аргументом Рене Декарта "Cogito, ergo sum" ("Мыслю, следовательно, существую"), где рассказчик сомневается в своем существовании, а затем подтверждает его, и затем задается вопросом о смысле своего существования. Написанное барабанщиком Грэмом Эйджем, вступление было результатом совместных усилий всех участников группы, вспоминает клавишник Майк Пиндер. В "In the Beginning" представлены три персонажа: "First Man" (Первый Человек), "Establishment" (Система) и "Inner Man" (Внутренний Человек), указанные в тексте на развороте обложки альбома. Хейвард играет роль слегка озадаченного человека, который подтверждает свое существование. Эдж, изображающий циничного представителя Системы, подтверждает существование Первого Человека, но настаивает на том, что его цель – быть винтиком в корпоративной машине. Первый Человек робко заявляет, что думает, что его существование имеет большее значение, и находит поддержку у своего "Внутреннего Человека", о котором говорит Пиндер, который призывает его "сохранять спокойствие" и "продолжать мыслить свободно". Альбом открывается оптимистичной песней "Lovely to See You". Благодаря своим приветливым текстам, песня позже использовалась в качестве открытия концертов в конце карьеры группы. Текст песни "Dear Diary" ("Дорогой дневник") отражает ощущение отчужденности от окружающего мира. Песня содержит острую социальную критику, заканчиваясь обыденной записью в дневнике о дне, проведенном за отправкой писем и витринами, за которой следует сдержанное сообщение: "Сегодня кто-то взорвал водородную бомбу, но это был не тот, кого я знал", когда песня затихает. Инженер Дерек Варналс вспоминает, как Томас импровизировал финальный текст во время записи. При микшировании альбома Варналс тщательно следил за тем, чтобы трек затухал в нужный момент для достижения максимального эффекта: "Да, мы хотели сохранить это, потому что это было остроумно и забавно. Нам нужно было просто правильно подобрать время затухания. Мы не хотели, чтобы это было слишком громко – это должно было быть частью затухания, и, думаю, у нас получилось". Оптимистичные песни "Send Me No Wine" ("Не присылай мне вина") и "To Share Our Love" ("Чтобы разделить нашу любовь") написаны басистом Джоном Лоджем. Текст песни "Send Me No Wine" выполнен в стиле кантри-музыки. Варналс предполагает: "'Wine' – это на самом деле песня в стиле кантри и вестерн. Когда вы ее играете, представьте ее более медленной, с убранными повторами. Обратите внимание, что партии меллотрона очень похожи на партию pedal steel guitar (педальной гитары)". Песня Майка Пиндера "So Deep Within You" ("Так глубоко внутри тебя") позже была записана The Four Tops с инструментальным сопровождением участников The Moody Blues. Вторая сторона альбома открывается песней Джастина Хейварда "Never Comes the Day" ("Никогда не наступит этот день"), одой к безответной любви. Он вспоминает, что на песню повлияла его борьба за поиск смысла жизни в то время: "Это было довольно трудное время в моей жизни. Это была очень болезненная ситуация для такого молодого человека, как я. Я не был уверен в своей жизни, в том, что я делаю, в том, что странно, и в том, где я живу, и в людях вокруг меня, включая людей в группе. Я просто сомневался во всем и одновременно пытался воплотить в жизнь некоторые философии того времени. Это было время сильных философских течений и направлений, о которых писали люди. Это была своего рода эпоха просвещения и поиска просветления". Меланхоличное настроение песни нарастает до кульминации с призывом к слушателям делиться своими чувствами друг с другом. Он объясняет: "Я чувствовал, что песня должна развиваться к чему-то более радостному и оптимистичному. Это пришло ко мне естественно. Мне нравится динамика в песнях: свет и тень. Мне нравится начинать тихо и становиться громче". В песне используется открытый строй G, который Хейвард научился, гастролируя с Ричи Хавенсом: "Я многому научился в первые годы о аккордах, открытых строях. "Question" ("Вопрос") – это большой открытый строй C, а "Never Comes a Day" – открытый строй G. Мы несколько раз играли с Ричи Хавенсом, и он показал мне несколько строев за кулисами на концертах на его замечательной старой гитаре". "Lazy Day" ("Ленивый день") Рэя Томаса и "Are You Sitting Comfortably" ("Вам удобно сидеть?") Джастина Хейварда создают атмосферу сонливости, подготавливая слушателя к центральной части альбома – сюите Майка Пиндера "Have You Heard" ("Вы слышали?"). В "Lazy Day" присутствует нотка сатиры, высмеивающая тех, кто проводит свои дни в довольстве. Строка "must be lamb today because beef was last week" ("Сегодня, должно быть, баранина, потому что говядина была на прошлой неделе") в примечаниях к переизданию описывается как "язвительный комментарий о типичном воскресенье для британского рабочего". Довольство куплетов контрастирует с эфирными, но циничными бэк-вокалами: "It's such a crying shame / Week after week the same / That's how your life goes by / Until the day you die" ("Как же это печально / Неделя за неделей одно и то же / Так проходит твоя жизнь / До дня твоей смерти").
Like its predecessors, On the Theshold of a Dream is a concept album, but carries a looser theme than Days of Future Passed and In Search of the Lost Chord. The album's title reflects the hopes of the flower power zeitgeist and Woodstock free love era, and the hope that society was on the cusp of a new era of consciousness, a new enlightenment. The title was coined by Mike Pinder in conversation with his friend and BBC presenter David Symonds. Pinder remembers, "About halfway through making the album, when we were kicking some titles around, I remember talking about how here we are, we'd just come through '67 in kaftans; everybody was out in the street and it was a fun time, and flower power and all that kind of thing. So, we were thinking, 'Hey, we're on the brink of a new consciousness, a new way of looking at things.' And so we were talking about that, and it was like we were 'on the verge of a human dream, a dream of humanity', and Dave said 'threshold', and I came up with 'of a dream', and it was like perfect." Guitarist Justin Hayward continues, "We probably were [taking ourselves too seriously]. But quite rightly. To do what we were doing we had to believe in it. It was from the heart. But at the time we got the reputation for that. I felt I was speaking for a lot of other people in the late '60s. I wanted to write about our search for enlightenment, as simple as that. I'm still kind of doing it." Bassist John Lodge remembers the band's creative process, how each member would bring ideas to the group related to the album's theme, and then work on the songs together as they produced the album: "Collectively we all had the same subject. But because we were all different people and we all played different things and would sound differently, every song was different even though the subject was the same." He continues, "When we came into the studio, we had a coffee table; we used to sit around there and talk about a song. If I had written a song I wanted on the album, I played it to the rest of the guys when we sat around that table, and everyone around that table would put their interpretation into that song. As soon as you played the song to the rest of the guys, it really became a Moody Blues song. You had total faith in the rest of the guys that they were going to be as creative as they can be in making that song work to its highest degree." The album begins with a spoken word introduction inspired by Rene Descartes' philosophical argument Cogito, ergo sum, where the narrator questions and then confirms his own existence, and then questions the meaning of his existence. Written by drummer Graeme Edge, keyboardist Mike Pinder remembers the introduction's production being a collaborative effort among the group's members. "In the Beginning" features three characters, listed as "First Man", "Establishment" and "Inner Man" in the printed lyrics provided in the album gate fold sleeve. Hayward takes the role of a slightly bemused lone person who confirms his own existence. Edge, a mocking establishment figure, confirms the first man's existence, but insists his purpose is to be a cog in a corporate machine. The first man sheepishly asserts that he thinks his existence is about more than that, finding encouragement from his "Inner Man, spoken by Pinder, who tells him to "keep cool" and "keep thinking free." The upbeat "Lovely to See You" opens the album. With its welcoming lyrics, the song later served as a concert opener during the later part of the group's career. The lyrics of "Dear Diary" reflect on a feeling of being unable to relate to the world as it rushes by around you. The song presents a bit of cutting social commentary by closing with a mundane diary entry recounting a day of posting letters and window shopping followed by a subdued recounting that "Somebody exploded an H bomb today But it wasn't anybody I knew" as the song fades out. Engineer Derek Varnals remembers Thomas adlibbing the final narration during recording. When mixing the album, Varnals was careful to fade out the track at the right moment for maximum effect: "Yeah, we wanted to keep that in because it was witty and quite amusing. All we had to do was to get the timing right on the fade out. We didn't want it to be too loud it had to be part of the fade, and I think we got it right." The upbeat "Send Me No Wine" and "To Share Our Love" are both written by bassist John Lodge. The lyrics of "Send Me No Wine" reflect a country music style. Varnals suggests, "'Wine' is really a country and western song. When you play it, imagine it slower, with some of the repetition taken out. Listen to the song and note that the Mellotron parts are very much like a pedal steel guitar as well." Mike Pinder's "So Deep Within You" was later recorded by the Four Tops with instrumental backing by members of the Moody Blues. Side two opens with Hayward's "Never Comes the Day", an ode to unrequited love. He remembers the song being influenced by his struggles to find meaning in his life at the time: "It was quite a difficult time in my life. It was a real painful situation for someone who was as young as me then. I wasn't quite sure about my own life and what I was doing and what was weird and where I was living and the people around me, including the people in the group. I was just kind of questioning everything and at the same time trying to live out some of the philosophies of the time. It was a time of strong philosophical roads and routes that people were writing about. It was a kind of age of enlightenment and searching for enlightenment." The song's plaintive mood builds to a crescendo with an exhortation for listeners to share their feelings with each other. He explains, "I felt it needed to build to something that was happier and more optimistic. It just came naturally to me. I like dynamics in songs: light and shade. I liked starting quiet and getting loud." The song employs an open G tuning, which Hayward remembers learning while touring with Richie Havens: "I learned a lot in those early years about chords, open tunings. "Question," which is a big open C tuning, and "Never Comes a Day," an open G. We played a few times with Richie Havens, and he showed me quite a few tunings backstage at gigs on that lovely good old guitar of his." Ray Thomas' "Lazy Day" and Hayward's "Are You Sitting Comfortably" introduce a mood of drowsiness, preparing the listener for the album's centerpiece, Mike Pinder's "Have You Heard" suite. "Lazy Day" incorporates a bit of satire, poking fun at those who while away their days in a sense of contentment. With the line "must be lamb today because beef was last week" the re release liner notes describe the lyrics as "an acerbic comment on the average Sunday for the British working man". The contentment of the verses is contrasted with ethereal yet cynical backing vocals: "It's such a crying shame / Week after week the same / That's how your life goes by / Until the day you die"
По словам Хейварда, "Are You Sitting Comfortably" – "о рассказывании историй, но возведенном в ранг психоделической истории". Его текст напоминает о днях средневековых менестрелей, с гитарным перебором и яркими образами, включая "флот золотых галеонов в хрустальном море" и "славные дни Камелота", пока Мерлин накладывает заклинание сна. Первая строка песни взята из популярной детской передачи "Listen with Mother" ("Слушай с мамой"), которая всегда начиналась с этой фразы и стала с ней ассоциироваться. "Are You Sitting Comfortably" была написана в конце сессий и, помимо "The Dream", была последней песней, записанной для альбома. Хейвард вспоминает: "У меня уже был гитарный рифф и аккордовая последовательность, и у меня была первая строка и название. И потом мы просто продолжили. Рэй внес большой вклад в текст. Я знаю, что первым делом он написал вторую строку: "A fleet of golden galleons, on a crystal sea" ("Флот золотых галеонов в хрустальном море"), что очень в стиле Рэя Томаса". Майк Пиндер...
According to Hawyard, "Are You Sitting Comfortably" is "about storytelling, but elevated to a bit of a psychedelic story". Its lyrics recall the days of medieval minstrels, featuring finger picked guitar and lyrics full of vibrant imagery including "a fleet of golden galleons on a crystal sea" and the "glorious days of Camelot" while Merlin casts a spell of slumber. The song takes its first line from a popular children's show, Listen with Mother, that always began with the same line and became associated with the phrase. "Are You Sitting Comfortably" was written towards the end of the sessions, and apart from "The Dream", was the last track recorded for the album. Hayward remembers, "I already had the guitar riff and the chord sequence, and I had the first line and the title. And then we just took it from there. Ray contributed a lot of lyrics. I know the first thing he did was that second line, "A fleet of golden galleons, on a crystal sea," which is a very Ray Thomas phrase." Mike Pinder's recitation of Graeme Edge's poem "The Dream" introduces the album's dream sequence. Its words suggest that just as new life springs from death in nature, a spirit of love and selflessness can help society realize its dream and achieve enlightenment. Edge explains, "My job back then was to write a poem that kind of hinted at all of the various themes to make sure that people's heads were pointed in the right direction." "Have You Heard" dates from at least 1966, when an early version appeared in the band's live set. Its lyrics repeat the album's theme of enlightenment. The song bookends "The Voyage", an instrumental piece that builds with Mellotron produced orchestral strings and reaches a crescendo with a repeated melody on piano before cellos lead a transition back to a reprise of "Have You Heard". Varnals remembers the introductory section of "The Voyage" being influenced by Also sprach Zarathustra, having been used in 2001: A Space Odyssey, which was released several months before the album's sessions. The track took three days to record, with Mike Pinder largely working alone on Mellotron, with overdubbed cellos, piano and other instruments played by the group. At the end of the "Have You Heard" reprise, the album concludes with the droning electronic sound that opens the album. Produced by Mellotron, the sound plays continuously into the album's run out groove, causing it to play continuously until the record player's tonearm is lifted.
Запись
Альбом был записан с 12 по 31 января 1969 года, вновь в студии Decca Studio One на их студии в Вест-Хэмпстеде с продюсером Тони Кларком и инженером Дереком Варналсом, используя недавно установленное в студии 8-трековое оборудование Sculley. Финальный сведение альбома было завершено 3 и 4 февраля. Сессии обычно проходили с полудня и до глубокой ночи, когда творческая команда уединялась внутри студии. Продюсер Тони Кларк вспоминает: «Мы принесли ковры, лампы и пепельницы и записывали в темноте. Нужно было создать комфортную и уютную атмосферу. Сессии обычно длились с полудня до полуночи». Джастин Хейвард вспоминает: «Это было время, когда я искал различные религии, психоделические переживания; это было настоящим временем открытий для меня как молодого человека. Я много экспериментировал с наркотиками и глубже погружался в музыку и все остальное. Я определенно видел в этом реальный шанс на музыкальную свободу на этой записи – способ выразить те поиски, которые мы осуществляли в жизни». Барабанщик Грейм Эдж вспоминает творческую атмосферу: «Этот альбом был первым, когда мы действительно сосредоточились на записи и не разрывались между концертами. После тура музыка, которую мы создали, объединила знания о студийных техниках, полученные при записи "В поисках потерянного аккорда", и мастерство, приобретенное во время ежедневных выступлений на сцене. Это, возможно, объясняет большее количество инструментальных партий в "На пороге мечты". В частности, вступительная композиция "In the Beginning" предоставила группе, а также Кларку и Варналсу широкие возможности для проявления своего студийного творчества. Альбом начинается и заканчивается «звуком всего и одновременно ничего», созданным путем генерации высоких и низких частот на меллотроне в сочетании с «розовым шумом»: Варналс объясняет: «Мы выбрали высоту тона и добавили много реверберации, чтобы звук был повсюду и нигде одновременно, если хотите. Это сработало и создало довольно атмосферное звучание». Чтобы поддержать маниакальный голос компьютерного оператора Грэма Эджа во время речевого фрагмента, группа поместила тикающие наручные часы всех участников в воронку с микрофоном. Этот звук был объединен со звуком вращающегося шпинделя, составляющего внутренний механизм меллотрона. Общий эффект должен был имитировать работу механизмов и передать атмосферу безумного профессора, стремящегося к мировому господству. Джон Лодж размышляет о том, как творческий процесс группы эволюционировал во время работы над альбомом: «Я думаю, что с "On The Threshold Of A Dream" и "To Our Children's Children's Children" мы начали превращаться в студийную группу. Мы исследовали возможности записи, а не живых выступлений. Мы экспериментировали во всех возможных направлениях, чтобы создавать различные звуки, которые записывались совершенно по-новому. Это было интересное время, потому что мы растянули границы наших музыкальных путешествий настолько, насколько это было возможно, как мне кажется». Кларк добавляет: «Этот альбом задал стандарт для записи наших будущих концептуальных альбомов. Он имеет огромное значение во многих отношениях. Это был первый раз, когда мы получили настоящую свободу в студии. Нам впервые дали возможность работать в одиночестве – без людей в белых халатах или с блокнотами. Он по-прежнему очень хорош. Я горжусь многими его аспектами. В целом, я рад, что мы его сделали».
The album was recorded from 12 to 31 January 1969, once again at Decca's Studio One at their West Hampstead studio with producer Tony Clarke and engineer Derek Varnals, employing the studio's newly installed Sculley 8 track recording equipment. Final mixing on the album was completed on 3 and 4 February. The sessions typically ran from the afternoon until well into the night, with the creative team sequestering themselves inside of the studio. Producer Tony Clarke remembers, "We brought in carpets and lamps and ashtrays and recorded in the dark. It had to be comfortable and cozy. The sessions tended to go from midday until midnight." Justin Hayward remembers, "It was certainly a time for me when I was sort of searching and seeking different religions, psychedelic experiences; it was a real time of discovery for me as a young man. So, I was getting stoned a lot and going deeper into music and things. I certainly saw it as a real chance at musical freedom on this record a way to express the sort of searching, seeking things that we were doing in our lives." Drummer Graeme Edge remembers the creative environment: "The album was our one where we actually concentrated on recording and weren't rushing off to do gigs here and there. As we'd just come off tour the music we created combined the knowledge of studio techniques that we had acquired recording In Search of the Lost Chord together with the craft we had learnt through performing on stage every night. That may explain the presence of On The Threshold Of A Dream of more instrumental parts." The opening "In the Beginning" in particular offered much opportunity for the group plus Clarke and Varnals to express their studio creativity. The album begins and ends with "the sound of everything but also of nothing", created by producing high and low frequencies on the Mellotron combined with "pink noise": Varnals explains, "We chose the pitch and put lots of reverb on it to make it sound everywhere and nowhere, if you like. It worked and seemed quite atmospheric." To back up Graeme Edge's maniacal establishment computer voice during the spoken section, the group placed everyone's ticking wristwatches and placed them inside a funnel with a microphone. The sound was combined with the sound of the clanking rotating spindle that made up the internal mechanics of a Mellotron. The overall effect intended to mimic machinery and the vibes a mad professor bent on domination. John Lodge reflects on how the group's creative process evolved on the album: "I think with On The Threshold Of A Dream and To Our Children's Children's Children, we started to become a studio band. We were exploring what you could do recording wise, and not playing live wise. So, we would experiment in all other places to try to make different sounds which we recorded completely differently. It was an interesting time because we pulled the elastic on our musical travels as far as we could go, I think." Clarke adds, "This album set the standard for how we recorded future concept albums. It's quite important in so many ways. It was the first time we had true freedom in the studio. This was our first chance at being left alone no men in white coats or people with clipboards. It's still quite lovely. I'm proud of a great deal of it. All in all, I'm glad we did it."
Обложка альбома
Обложка альбома, как и предыдущая, разработана Филом Трэверсом. Впервые для альбома использована разворотная обложка, предоставляющая больше места для оформления. Группа повторила эту практику на нескольких последующих альбомах. Флейтист Рэй Томас вспоминает, как вел переговоры со звукозаписывающей компанией Decca по поводу дополнительных расходов: "Они опасались, что это увеличит стоимость обложки на 2 пенса за альбом. Изначально глава производства заявил нам, что если альбом окажется таким хорошим, как мы говорим, его можно будет упаковать в коричневый бумажный пакет! В конце концов, после долгих споров нам удалось настоять на своем". Дополнительное пространство позволило впервые включить тексты песен альбома, а также эссе композитора Лионеля Барта. Изображения на обложке включают в себя "металлическую, роботоподобную сущность, сжимающую различные формы жизни, символизирующую свободу мысли, самовыражения и творчества", – объясняет Майк Пиндер, – а также изображение Мерлина, колдующего, Камелот и флот золотых галеонов на кристально чистом море, вдохновленные текстом песни "Are You Sitting Comfortably". Басист Джон Лодж вспоминает: "Мы приглашали нашего художника-графика Фила Трэверса в студию, чтобы он послушал каждую песню по мере ее завершения. Мы также давали ему тексты, чтобы он мог почерпнуть дополнительные идеи. Фил делал несколько эскизов обложки, и мы все собирались вокруг кофейного столика, чтобы обсудить, чего мы хотим. Мы все чувствовали, что музыка и оформление альбома должны быть единым целым и должны быть безупречными".
The album cover, like its predecessor, is designed by Phil Travers. For the first time, the album incorporates a gate fold sleeve allowing a larger canvas for album artwork. The band would repeat this practice on their next several albums. Flautist Ray Thomas remembers negotiating with their record label, Decca, over the additional cost: "They were concerned that it would increase the cost of the sleeve by 2 pence an album. We were originally told by the head of production that if the album was as good as we said it was, it could be housed in a brown paper bag! Eventually, after a great deal of protest we managed to get our way." The additional space allowed for inclusion, for the first time, the album's lyrics, as well as an essay by composer Lionel Bart. The imagery on the cover features "a metallic, robot type entity clutching different, various life forms and squeezing tight representing freedom of thought and expression and creativity", explains Mike Pinder, as well as an image of Merlin casting a spell, Camelot, and a fleet of golden galleons on a crystal sea, images inspired by the lyrics to "Are You Sitting Comfortably". Bassist John Lodge recalls, "We would get our graphic artist, Phil Travers, in to the studio to listen to each track as it was completed. We also gave him the lyrics in order for him to get further ideas. Phil would then sketch out various rough sleeve designs and we would all sit around a coffee table and discuss what we wanted. We all felt that both the music and the album sleeve design had to be part of one special package and had to be right".
Релиз
On the Threshold of a Dream был выпущен 25 апреля 1969 года в Великобритании и 30 мая 1969 года в США. Альбом "На пороге мечты" принес группе Moody Blues их первый британский альбом, возглавивший чарты, и значительно улучшил их позиции в Америке, став их первым альбомом, вошедшим в топ-20 в США. Он оказался одним из наиболее долговечных альбомов группы в американских чартах, продержавшись в Billboard LPs более двух с половиной лет. Этот альбом, вместе с последующим To Our Children's Children's Children, был среди магнитных лент, взятых астронавтом Аполлона-15 Элом Уорденом на Луну. В марте 2006 года альбом был полностью ремастерирован в формате SACD и переиздан с девятью дополнительными треками. В 2008 году был выпущен ремастер для стандартного аудио-CD с теми же бонусными треками.
On the Threshold of a Dream was released on 25 April 1969 in the UK and 30 May 1969 in the US. On the Threshold of a Dream provided the Moody Blues with their first British number one album, and also boosted their American fortunes by becoming their first top 20 album there. It proved to be one of the group's more enduring records in the US, staying in the Billboard LPs chart for more than two and a half years. The album, along with the subsequent To Our Children's Children's Children, was among the tapes carried by Apollo 15 astronaut Al Worden to the moon. In March 2006 the album was completely remastered into SACD format and repackaged with nine extra tracks. In 2008 a remaster for standard audio CD was issued with the same bonus tracks.