Немое кино: история и особенности

Введение

Фильмы без синхронного записанного звука

Не́мый фильм — это фильм без синхронного записанного звука (или, в более широком смысле, без слышимых диалогов). Хотя немые фильмы передают повествование и эмоции визуально, различные элементы сюжета (такие как место действия или эпоха) или ключевые реплики могут, при необходимости, передаваться с помощью вставочных титров. Термин «не́мый фильм» в некоторой степени ошибочен, поскольку эти фильмы почти всегда сопровождались живой музыкой. В эпоху немого кино, существовавшую с середины 1890-х до конца 1920-х годов, пианист, органист — или даже, в крупных городах, оркестр — исполняли музыку, сопровождающую фильмы. Пианисты и органисты играли либо по нотам, либо импровизировали. Иногда кто-то даже озвучивал титры для зрителей. Хотя в то время технологии синхронизации звука с фильмом не существовало, музыка считалась неотъемлемой частью просмотра. «Не́мый фильм» обычно используется как исторический термин для обозначения эпохи кинематографа до изобретения синхронного звука, но он также применяется к фильмам звуковой эпохи, таким как «Огни большого города», «Новые времена» и «Немая картина», которые сопровождаются только музыкальным саундтреком вместо диалогов. Термин «не́мый фильм» — это ретроним, термин, созданный для обозначения чего-либо в ретроспективе, в отличие от более поздних разработок. Ранние звуковые фильмы, начиная с «Певец джаза» в 1927 году, назывались «говорящими фильмами», «звуковыми фильмами» или «говорящими картинами». Идея сочетания кинофильмов с записанным звуком старше самого кино (она была предложена почти сразу после того, как Эдисон представил фонограф в 1877 году), и некоторые ранние эксперименты предполагали ручную регулировку проекционистом частоты кадров для соответствия звуку, но из-за технических сложностей внедрение синхронного диалога стало практичным только в конце 1920-х годов с усовершенствованием электронно-лучевой лампы Audion и появлением системы Vitaphone. В течение десятилетия массовое производство немых фильмов для широкого проката прекратилось, и индустрия полностью перешла в звуковую эпоху, в которой фильмы сопровождались синхронизированными звукозаписями речи, музыки и звуковых эффектов. Большинство ранних кинофильмов считаются утраченными из-за их физического разрушения, поскольку нитратная пленка, использовавшаяся в ту эпоху, была чрезвычайно нестабильной и легковоспламеняющейся. Кроме того, многие фильмы были намеренно уничтожены, поскольку в ту эпоху они не представляли значительной немедленной финансовой ценности. Часто утверждается, что около 75 процентов немых фильмов, снятых в США, были потеряны, хотя эти оценки неточны из-за отсутствия количественных данных.

A silent film is a film without synchronized recorded sound (or more generally, no audible dialogue). Though silent films convey narrative and emotion visually, various plot elements (such as a setting or era) or key lines of dialogue may, when necessary, be conveyed by the use of inter title cards. The term "silent film" is something of a misnomer, as these films were almost always accompanied by live sounds. During the silent era that existed from the mid 1890s to the late 1920s, a pianist, theater organist—or even, in larger cities, an orchestra—would play music to accompany the films. Pianists and organists would play either from sheet music, or improvisation. Sometimes a person would even narrate the inter title cards for the audience. Though at the time the technology to synchronize sound with the film did not exist, music was seen as an essential part of the viewing experience. "Silent film" is typically used as a historical term to describe an era of cinema prior to the invention of synchronized sound, but it also applies to such sound era films as City Lights, Modern Times and Silent Movie which are accompanied by a music only soundtrack in place of dialogue. The term silent film is a retronym—a term created to retroactively distinguish something from later developments. Early sound films, starting with The Jazz Singer in 1927, were variously referred to as the "talkies", "sound films", or "talking pictures". The idea of combining motion pictures with recorded sound is older than film (it was suggested almost immediately after Edison introduced the phonograph in 1877), and some early experiments had the projectionist manually adjusting the frame rate to fit the sound, but because of the technical challenges involved, the introduction of synchronized dialogue became practical only in the late 1920s with the perfection of the Audion amplifier tube and the advent of the Vitaphone system. Within a decade, the widespread production of silent films for popular entertainment had ceased, and the industry had moved fully into the sound era, in which movies were accompanied by synchronized sound recordings of spoken dialogue, music and sound effects. Most early motion pictures are considered lost owing to their physical decay, for the nitrate filmstock used in that era was extremely unstable and flammable. Additionally, many films were deliberately destroyed, because they had negligible remaining immediate financial value in that era. It has often been claimed that around 75 percent of silent films produced in the US have been lost, though these estimates are inaccurate due to a lack of numerical data.

Элементы и начало (18331894)

Фильмовая проекция в основном развивалась из представлений с «волшебными фонарями», в которых изображения с раскрашенных вручную стеклянных слайдов проецировались на стену или экран. После изобретения фотографии в XIX веке иногда использовались неподвижные снимки. Рассказ демонстрирующего был важен в зрелищных развлекательных показах и необходим в лекционных турах. Принцип стробоскопической анимации был известен ещё со времени появления фенекистископа в 1833 году, популярной оптической игрушки, однако развитие кинематографа тормозилось длительными выдержками, необходимыми для фотографических эмульсий, пока Эдварду Мейбриджу не удалось снять хронофотографическую последовательность в 1878 году. После того, как другие оживили его изображения в зоотропах, Мейбридж в 1880 году начал выступать с лекциями, используя собственный анимационный проектор – зоопраксископ. Работы других пионеров хронофотографии, включая Этьена-Жюля Марея и Оттомара Аншютца, способствовали разработке кинокамер, проекторов и прозрачной целлюлоидной пленки. Хотя Томас Эдисон стремился создать киносистему, синхронизированную с его фонографом, в итоге он представил кинетоскоп как устройство для просмотра немых фильмов в 1893 году, а последующие версии «кинетофона» оказались безуспешными.

Эпоха немого кино

Искусство кино достигло полной зрелости в "эпоху немого кино" (1894 год в кино – 1929 год в кино). Расцвет эпохи немого кино (с начала 1910-х годов в кино до конца 1920-х годов) был особенно плодотворным периодом, полным художественных инноваций. В этот период зародились кинонаправления классического Голливуда, а также французский импрессионизм, немецкий экспрессионизм и советский монтаж. Кинематографисты эпохи немого кино стали пионерами в этой форме искусства, настолько, что практически каждый стиль и жанр кинопроизводства XX и XXI веков своими художественными корнями обязан эпохе немого кино. Эпоха немого кино была новаторской и с технической точки зрения. Трехточечное освещение, крупный план, общий план, панорамирование и монтаж аттракционов стали широко распространены задолго до того, как немые фильмы были заменены "звуковыми фильмами" или "болтающими фильмами" в конце 1920-х годов. Некоторые исследователи утверждают, что художественное качество кино снизилось на несколько лет, в начале 1930-х годов, пока режиссеры, актеры и производственный персонал полностью не адаптировались к новым "звуковым фильмам" к середине 1930-х годов. Визуальное качество немого кино – особенно фильмов, снятых в 1920-х годах – часто было высоким, однако широко распространено заблуждение, что эти фильмы были примитивными или едва ли пригодны для просмотра по современным стандартам. Это заблуждение связано с незнанием широкой публикой этого вида искусства, а также с халатностью со стороны индустрии. Большинство немых фильмов плохо сохранились, что привело к их повреждению, а хорошо сохранившиеся фильмы часто воспроизводятся с неправильной скоростью или подвергаются цензурным правкам, с отсутствующими кадрами и сценами, создавая впечатление плохого монтажа. Многие немые фильмы существуют только в копиях второго или третьего поколения, часто сделанных из уже поврежденной и заброшенной кинопленки. Традиционные методы раскрашивания прекратились с внедрением звуковой технологии в кино. Традиционная раскраска пленки, которая включала использование красителей в той или иной форме, мешала высокому разрешению, необходимому для встроенного звука, и поэтому была отменена. Инновационный трехцветный процесс Technicolor, представленный в середине 1930-х годов, был дорогостоящим и имел ряд ограничений, и цвет не получил такого же распространения в кино, как в эпоху немого кино, на протяжении почти четырех десятилетий.

The art of motion pictures grew into full maturity in the "silent era" (1894 in film – 1929 in film). The height of the silent era (from the early 1910s in film to the late 1920s) was a particularly fruitful period, full of artistic innovation. The film movements of Classical Hollywood as well as French Impressionism, German Expressionism, and Soviet Montage began in this period. Silent filmmakers pioneered the art form to the extent that virtually every style and genre of film making of the 20th and 21st centuries has its artistic roots in the silent era. The silent era was also a pioneering one from a technical point of view. Three point lighting, the close up, long shot, panning, and continuity editing all became prevalent long before silent films were replaced by "talking pictures" or "talkies" in the late 1920s. Some scholars claim that the artistic quality of cinema decreased for several years, during the early 1930s, until film directors, actors, and production staff adapted fully to the new "talkies" around the mid 1930s. The visual quality of silent movies—especially those produced in the 1920s—was often high, but there remains a widely held misconception that these films were primitive, or are barely watchable by modern standards. This misconception comes from the general public's unfamiliarity with the medium, as well as from carelessness on the part of the industry. Most silent films are poorly preserved, leading to their deterioration, and well preserved films are often played back at the wrong speed or suffer from censorship cuts and missing frames and scenes, giving the appearance of poor editing. Many silent films exist only in second or third generation copies, often made from already damaged and neglected film stock. Traditional colorization processes ceased with the adoption of sound on film technology. Traditional film colorization, all of which involved the use of dyes in some form, interfered with the high resolution required for built in recorded sound, and were therefore abandoned. The innovative three strip technicolor process introduced in the mid 1930s was costly and fraught with limitations, and color would not have the same prevalence in film as it did in the silents for nearly four decades.

Межзаголовки

По мере увеличения продолжительности кинофильмов возникла необходимость в замене штатного переводчика, который объяснял отдельные части фильма зрителям. Поскольку в немых фильмах отсутствовал синхронизированный звук для диалогов, для повествования о сюжетных поворотах, представления ключевых реплик и иногда даже комментирования происходящего использовались экранные интертитры. Автор интертитров стал ключевым специалистом в эпоху немого кино и часто отличался от сценариста, создававшего сюжет. Интертитры (или просто титры, как их обычно называли в то время) "зачастую сами являлись графическими элементами, содержащими иллюстрации или абстрактные украшения, комментирующие действие".

Живая музыка и другие звуковые аккомпанементы

Начиная с первого публичного показа фильмов братьями Люмьер 28 декабря 1895 года в Париже, сеансы немого кино почти всегда сопровождались живой музыкой. Это получило дальнейшее развитие в 1896 году с первой демонстрацией кинофильмов в Соединенных Штатах в Музыкальном зале Костера и Биала в Нью-Йорке. На этом мероприятии Эдисон установил правило, что все показы должны сопровождаться оркестром. С самого начала музыка признавалась необходимой, создающей атмосферу и предоставляющей зрителям важные эмоциональные подсказки. По тем же причинам музыканты иногда играли на съемочных площадках во время съемок. Однако, в зависимости от размера площадки для показа, музыкальное сопровождение могло значительно различаться по масштабу. В кинотеатрах небольших городов и районов обычно был пианист. Начиная с середины 1910-х годов, в крупных городских театрах чаще всего были органисты или музыкальные ансамбли. Массивные театральные органы, разработанные для заполнения промежутка между простым пианистом-солистом и большим оркестром, обладали широким спектром специальных эффектов. Театральные органы, такие как знаменитый "Mighty Wurlitzer", могли имитировать некоторые оркестровые звуки, а также различные перкуссионные эффекты, такие как бас-барабаны и тарелки, и звуковые эффекты, от "гудков поездов и лодок до автомобильных клаксонов и свистков птиц; некоторые даже могли имитировать выстрелы, звонки телефонов, шум прибоя, копыта лошадей, разбивающуюся посуду, [и] гром с дождем". Музыкальные партитуры для ранних немых фильмов либо импровизировались, либо составлялись из классической или театральной репертуарной музыки. Однако, когда полнометражные фильмы стали обычным явлением, музыка составлялась из фотоплей-музыки пианистом, органистом, дирижером оркестра или самой киностудией, которая предоставляла лист с указаниями к фильму. Эти листы часто были подробными, с детальными заметками об эффектах и настроениях, на которые следует обращать внимание. Начиная с оригинальной партитуры, написанной Джозефом Карлом Брейлом для эпического фильма Д.У. Гриффита "Рождение нации" (1915), стало обычным явлением, что самые крупные по бюджету фильмы поступали в кинотеатры с оригинальными, специально написанными партитурами. Однако первые полноценные партитуры были написаны еще в 1908 году Камилем Сен-Сансом для фильма "Убийство герцога Гизского" и Михаилом Ипполитовым-Ивановым для "Стенки Разина". Когда органисты или пианисты использовали ноты, они все равно могли добавлять импровизационные украшения, чтобы усилить драматизм на экране. Даже если в партитуре не были указаны специальные эффекты, если органист играл на театральном органе, способном воспроизводить необычный звуковой эффект, например, "скачущих лошадей", он использовался во время драматических сцен погони на лошадях. В период расцвета эпохи немого кино киноиндустрия была крупнейшим работодателем для инструментальных музыкантов, по крайней мере, в Соединенных Штатах. Однако появление звукового кино, совпавшее с началом Великой депрессии, стало разрушительным для многих музыкантов. В ряде стран были разработаны другие способы добавления звука к немым фильмам. Например, раннее бразильское кино отличалось фитас-кантатас (поющими фильмами) – экранизациями оперетт с певцами, выступающими за экраном. В Японии фильмы сопровождались не только живой музыкой, но и бэнси – живым рассказчиком, который комментировал происходящее и озвучивал персонажей. Бэнси стали центральным элементом японского кино, а также обеспечивали перевод иностранных (в основном американских) фильмов. Популярность бэнси была одной из причин, по которой немые фильмы оставались популярными в Японии вплоть до 1930-х годов. И наоборот, поскольку фильмы, озвученные бэнси, часто не имели межтитров, современной аудитории иногда бывает трудно понять сюжет без специализированных субтитров или дополнительных комментариев.

Showings of silent films almost always featured live music starting with the first public projection of movies by the Lumière brothers on December 28, 1895, in Paris. This was furthered in 1896 by the first motion picture exhibition in the United States at Koster and Bial's Music Hall in New York City. At this event, Edison set the precedent that all exhibitions should be accompanied by an orchestra. From the beginning, music was recognized as essential, contributing atmosphere, and giving the audience vital emotional cues. Musicians sometimes played on film sets during shooting for similar reasons. However, depending on the size of the exhibition site, musical accompaniment could drastically change in scale. Small town and neighborhood movie theatres usually had a pianist. Beginning in the mid 1910s, large city theaters tended to have organists or ensembles of musicians. Massive theatre organs, which were designed to fill a gap between a simple piano soloist and a larger orchestra, had a wide range of special effects. Theatrical organs such as the famous "Mighty Wurlitzer" could simulate some orchestral sounds along with a number of percussion effects such as bass drums and cymbals, and sound effects ranging from "train and boat whistles [to] car horns and bird whistles; some could even simulate pistol shots, ringing phones, the sound of surf, horses' hooves, smashing pottery, [and] thunder and rain". Musical scores for early silent films were either improvised or compiled of classical or theatrical repertory music. Once full features became commonplace, however, music was compiled from photoplay music by the pianist, organist, orchestra conductor or the movie studio itself, which included a cue sheet with the film. These sheets were often lengthy, with detailed notes about effects and moods to watch for. Starting with the mostly original score composed by Joseph Carl Breil for D. W. Griffith's epic The Birth of a Nation (1915), it became relatively common for the biggest budgeted films to arrive at the exhibiting theater with original, specially composed scores. However, the first designated full blown scores had in fact been composed in 1908, by Camille Saint Saëns for The Assassination of the Duke of Guise, and by Mikhail Ippolitov Ivanov for Stenka Razin. When organists or pianists used sheet music, they still might add improvisational flourishes to heighten the drama on screen. Even when special effects were not indicated in the score, if an organist was playing a theater organ capable of an unusual sound effect such as "galloping horses", it would be used during scenes of dramatic horseback chases. At the height of the silent era, movies were the single largest source of employment for instrumental musicians, at least in the United States. However, the introduction of talkies, coupled with the roughly simultaneous onset of the Great Depression, was devastating to many musicians. A number of countries devised other ways of bringing sound to silent films. The early cinema of Brazil, for example, featured fitas cantatas (singing films), filmed operettas with singers performing behind the screen. In Japan, films had not only live music but also the benshi, a live narrator who provided commentary and character voices. The benshi became a central element in Japanese film, as well as providing translation for foreign (mostly American) movies. The popularity of the benshi was one reason why silent films persisted well into the 1930s in Japan. Conversely, as benshi narrated films often lacked intertitles, modern day audiences may sometimes find it difficult to follow the plots without specialised subtitling or additional commentary.

Реставрация партитуры с 1980 года по настоящее время

Сохранилось немного музыкальных партитур к фильмам эпохи немого кино, и музыковеды до сих пор сталкиваются с вопросами при попытке точного воссоздания сохранившихся. Музыка, используемая в современных переизданиях или показах немых фильмов, может представлять собой полные реконструкции композиций, написанных специально для этого, собранные из существующих музыкальных библиотек или импровизированные на месте в духе театральных музыкантов той эпохи. Интерес к музыкальному сопровождению немых фильмов несколько угас в 1960-х и 1970-х годах. В ряде университетских кинопрограмм и репертуарных кинотеатров считалось, что зрители должны воспринимать немое кино как чисто визуальную среду, не отвлекаемую музыкой. Возможно, этому способствовало низкое качество музыкальных дорожек, встречавшихся во многих переизданиях немых фильмов того времени. С 1980 года наблюдается возрождение интереса к показу немых фильмов с качественным музыкальным сопровождением – будь то переработки партитур того времени, листы с музыкальными подсказками или написание оригинальных композиций. Ранним примером этого стала реставрация Кевином Браунлоу в 1980 году фильма Абеля Ганса «Наполеон» (1927) с музыкой Карла Дэвиса. Немного отредактированная и ускоренная версия реставрации Браунлоу позже была распространена в США Фрэнсисом Фордом Копполой с живым оркестровым сопровождением, написанным его отцом, Кармином Копполой. В 1984 году отреставрированная версия «Метрополиса» (1927) вышла с новой рок-музыкой композитора и продюсера Джорджио Мородера. Хотя современное музыкальное сопровождение, включавшее поп-песни Фредди Меркьюри, Пэта Бенатара и Джона Андерсона из группы Yes, вызвало споры, оно открыло путь к новому подходу к показу классических немых фильмов. Сегодня множество солистов, музыкальных ансамблей и оркестров исполняют традиционную и современную музыку к немым фильмам по всему миру. Легендарный органист театра Гейлорд Картер продолжал исполнять и записывать свои оригинальные партитуры к немым фильмам до самой смерти в 2000 году; некоторые из них доступны на DVD. К другим представителям традиционного подхода относятся органисты, такие как Деннис Джеймс, и пианисты, такие как Нил Брэнд, Гюнтер Бухвальд, Филипп К. Карли, Бен Модель и Уильям П. Перри. Другие современные пианисты, такие как Стивен Хорн и Габриэль Тибодо, часто используют более современный подход к музыкальному сопровождению. Оркестровые дирижеры, такие как Карл Дэвис и Роберт Израиль, написали и скомпилировали музыку для множества немых фильмов; многие из них демонстрировались на Turner Classic Movies или выходили на DVD. Дэвис написал новую музыку к классическим немым драмам, таким как «Большой парад» (1925) и «Плоть и дьявол» (1927). Израиль работал в основном в жанре немой комедии, создавая музыку к фильмам Гарольда Ллойда, Бастера Китона, Чарли Чейза и других. Тимоти Брок восстановил многие партитуры Чарли Чаплина, а также написал новые. Современные музыкальные ансамбли помогают знакомить широкую аудиторию с классическими немыми фильмами, используя широкий спектр музыкальных стилей и подходов. Некоторые исполнители создают новые композиции с использованием традиционных инструментов, в то время как другие добавляют электронные звуки, современную гармонию, ритмы, импровизацию и элементы звукового дизайна, чтобы усилить впечатление от просмотра. Среди современных ансамблей в этой категории: Un Drame Musical Instantané, Alloy Orchestra, Club Foot Orchestra, Silent Orchestra, Mont Alto Motion Picture Orchestra, Minima и Caspervek Trio, RPM Orchestra. Дональд Сосин и его жена Джоанна Ситон специализируются на добавлении вокала к немым фильмам, особенно в тех случаях, когда на экране поют, и исполнение песни вживую усиливает эффект. К таким фильмам относятся «Леди с мостовой» Гриффита с Лупе Велес, «Эванджелина» Эдвина Кэрью с Долорес дель Рио и «Призрак оперы» Руперта Джулиана с Мэри Филбин и Вирджинией Пирсон. Архив звука и музыки немых фильмов оцифровывает музыку и листы с музыкальными подсказками, написанные для немых фильмов, и делает их доступными для исполнителей, исследователей и энтузиастов.

Few film scores survived intact from the silent period, and musicologists are still confronted by questions when they attempt to precisely reconstruct those that remain. Scores used in current reissues or screenings of silent films may be complete reconstructions of compositions, newly composed for the occasion, assembled from already existing music libraries, or improvised on the spot in the manner of the silent era theater musician. Interest in the scoring of silent films fell somewhat out of fashion during the 1960s and 1970s. There was a belief in many college film programs and repertory cinemas that audiences should experience silent film as a pure visual medium, undistracted by music. This belief may have been encouraged by the poor quality of the music tracks found on many silent film reprints of the time. Since around 1980, there has been a revival of interest in presenting silent films with quality musical scores (either reworkings of period scores or cue sheets, or the composition of appropriate original scores). An early effort of this kind was Kevin Brownlow's 1980 restoration of Abel Gance's Napoléon (1927), featuring a score by Carl Davis. A slightly re edited and sped up version of Brownlow's restoration was later distributed in the United States by Francis Ford Coppola, with a live orchestral score composed by his father Carmine Coppola. In 1984, an edited restoration of Metropolis (1927) was released with a new rock music score by producer composer Giorgio Moroder. Although the contemporary score, which included pop songs by Freddie Mercury, Pat Benatar, and Jon Anderson of Yes, was controversial, the door had been opened for a new approach to the presentation of classic silent films. Today, a large number of soloists, music ensembles, and orchestras perform traditional and contemporary scores for silent films internationally. The legendary theater organist Gaylord Carter continued to perform and record his original silent film scores until shortly before his death in 2000; some of those scores are available on DVD reissues. Other purveyors of the traditional approach include organists such as Dennis James and pianists such as Neil Brand, Günter Buchwald, Philip C. Carli, Ben Model, and William P. Perry. Other contemporary pianists, such as Stephen Horne and Gabriel Thibaudeau, have often taken a more modern approach to scoring. Orchestral conductors such as Carl Davis and Robert Israel have written and compiled scores for numerous silent films; many of these have been featured in showings on Turner Classic Movies or have been released on DVD. Davis has composed new scores for classic silent dramas such as The Big Parade (1925) and Flesh and the Devil (1927). Israel has worked mainly in silent comedy, scoring the films of Harold Lloyd, Buster Keaton, Charley Chase, and others. Timothy Brock has restored many of Charlie Chaplin's scores, in addition to composing new scores. Contemporary music ensembles are helping to introduce classic silent films to a wider audience through a broad range of musical styles and approaches. Some performers create new compositions using traditional musical instruments, while others add electronic sounds, modern harmonies, rhythms, improvisation, and sound design elements to enhance the viewing experience. Among the contemporary ensembles in this category are Un Drame Musical Instantané, Alloy Orchestra, Club Foot Orchestra, Silent Orchestra, Mont Alto Motion Picture Orchestra, Minima and the Caspervek Trio, RPM Orchestra. Donald Sosin and his wife Joanna Seaton specialize in adding vocals to silent films, particularly where there is onscreen singing that benefits from hearing the actual song being performed. Films in this category include Griffith's Lady of the Pavements with Lupe Vélez, Edwin Carewe's Evangeline with Dolores del Río, and Rupert Julian's The Phantom of the Opera with Mary Philbin and Virginia Pearson. The Silent Film Sound and Music Archive digitizes music and cue sheets written for silent films and makes them available for use by performers, scholars, and enthusiasts.

Методы действия

Актеры немого кино делали акцент на языке тела и выражении лица, чтобы зрители могли лучше понимать чувства и переживания персонажей на экране. Многие приемы актерской игры немого кино могут показаться современному зрителю упрощенными или нарочитыми. Мелодраматический стиль игры в некоторых случаях был привычкой, перенесенной актерами из их прежнего театрального опыта. Водевиль был особенно популярным источником для многих американских актеров немого кино. Преобладание театральных актеров в кино стало причиной возмущения режиссера Маршалла Нилана в 1917 году: «Чем скорее актеры, пришедшие в кино из театра, уйдут, тем лучше для кинематографа». В других случаях режиссеры, такие как Джон Гриффит Рэй, требовали от актеров преувеличенно выразительной игры для большей выразительности. Уже в 1914 году американские зрители начали проявлять предпочтение большей естественности на экране. В середине 1910-х годов немое кино стало менее похожим на водевиль, поскольку различия между сценой и экраном становились все более очевидными. Благодаря работе таких режиссеров, как Д.У. Гриффит, кинематография стала менее театральной, а развитие крупного плана позволило использовать сдержанную и реалистичную игру. Лиллиан Гиш была названа «первой настоящей актрисой» кино за ее работу в этот период, поскольку она стала пионером новых техник актерского мастерства, осознавая принципиальные различия между игрой на сцене и в кино. Режиссеры, такие как Альберт Капеллани и Морис Турнёр, стали настаивать на натурализме в своих фильмах. К середине 1920-х годов многие американские немые фильмы перешли к более натуралистичному стилю игры, хотя не все актеры и режиссеры сразу приняли сдержанную, реалистичную манеру; еще в 1927 году выходили фильмы с экспрессионистской актерской игрой, такие как «Метрополис». Грета Гарбо, чей первый американский фильм вышел в 1926 году, стала известна своей натуралистичной игрой. По мнению Антона Каэса, исследователя немого кино из Калифорнийского университета в Беркли, в американском немом кино между 1913 и 1921 годами произошел сдвиг в актерских техниках, который был обусловлен влиянием немецкого немого кино. Это в основном связано с притоком эмигрантов из Веймарской республики, «включая режиссеров, продюсеров, операторов, осветителей и техников сцены, а также актеров и актрис».

Silent film actors emphasized body language and facial expression so that the audience could better understand what an actor was feeling and portraying on screen. Much silent film acting is apt to strike modern day audiences as simplistic or campy. The melodramatic acting style was in some cases a habit actors transferred from their former stage experience. Vaudeville was an especially popular origin for many American silent film actors. The pervading presence of stage actors in film was the cause of this outburst from director Marshall Neilan in 1917: "The sooner the stage people who have come into pictures get out, the better for the pictures." In other cases, directors such as John Griffith Wray required their actors to deliver larger than life expressions for emphasis. As early as 1914, American viewers had begun to make known their preference for greater naturalness on screen. Silent films became less vaudevillian in the mid 1910s, as the differences between stage and screen became apparent. Due to the work of directors such as D. W. Griffith, cinematography became less stage like, and the development of the close up allowed for understated and realistic acting. Lillian Gish has been called film's "first true actress" for her work in the period, as she pioneered new film performing techniques, recognizing the crucial differences between stage and screen acting. Directors such as Albert Capellani and Maurice Tourneur began to insist on naturalism in their films. By the mid 1920s many American silent films had adopted a more naturalistic acting style, though not all actors and directors accepted naturalistic, low key acting straight away; as late as 1927, films featuring expressionistic acting styles, such as Metropolis, were still being released. Greta Garbo, whose first American film was released in 1926, would become known for her naturalistic acting. According to Anton Kaes, a silent film scholar from the University of California, Berkeley, American silent cinema began to see a shift in acting techniques between 1913 and 1921, influenced by techniques found in German silent film. This is mainly attributed to the influx of emigrants from the Weimar Republic, "including film directors, producers, cameramen, lighting and stage technicians, as well as actors and actresses".

Скорость проекции

До стандартизации скорости проецирования звуковых фильмов в 24 кадра в секунду (fps) в период с 1926 по 1930 год немые фильмы снимались с переменной скоростью (или "частотой кадров") от 12 до 40 кадров в секунду, в зависимости от года и студии. "Стандартная скорость немого кино" часто указывается как 16 кадров в секунду, что связано с аппаратом "Cinématographe" братьев Люмьер, однако практика в индустрии значительно различалась; фактического стандарта не существовало. Уильям Кеннеди-Лаури Диксон, сотрудник Эдисона, остановился на поразительно высокой скорости в 40 кадров в секунду. Более того, операторы того времени утверждали, что их техника вращения кривошипа составляла ровно 16 кадров в секунду, но современный анализ фильмов показывает, что это неверно, и что они часто вращали кривошип быстрее. Если не показывать немые фильмы с их исходной скоростью, они могут казаться неестественно быстрыми или медленными. Тем не менее, некоторые сцены намеренно снимались с пониженной скоростью, чтобы ускорить действие – особенно в комедиях и фильмах боевиков – или чтобы уложить фильм в заданный временной интервал. Скорость съёмки часто является предметом споров среди исследователей и киноманов при показе немых фильмов сегодня, особенно при выпуске восстановленных фильмов на DVD, как это было в случае с реставрацией "Метрополиса" в 2002 году.

Цветение

Из-за отсутствия технологий для естественной цветокоррекции, фильмы эпохи немого кино часто погружали в красители и окрашивали в различные оттенки, чтобы передать настроение или обозначить время суток. Ручная тонировка началась в 1895 году в США с выпуска Эдисоном раскрашенных вручную копий фильма «Танец бабочки». Кроме того, эксперименты с цветной пленкой начались еще в 1909 году, хотя потребовалось гораздо больше времени, чтобы цвет был принят индустрией и разработана эффективная технология. Синий цвет использовался для ночных сцен, жёлтый или янтарный – для дневных. Красный символизировал огонь, а зелёный – таинственную атмосферу. Аналогично, тонирование пленки (например, распространённое для немого кино сепийное тонирование) с помощью специальных растворов заменяло серебряные частицы в пленке солями или красителями различных цветов. Комбинация тонировки и окрашивания могла создавать впечатляющий эффект. Некоторые фильмы, такие как «Аннабель. Серпентинный танец» (1894) от студии Эдисона, были раскрашены вручную. В нём Аннабель Уитфорд, молодая танцовщица с Бродвея, одета в белые вуали, которые, кажется, меняют цвет во время танца. Эта техника была разработана для воссоздания эффекта живых выступлений Лои Фуллер, начавшихся в 1891 году, где сценический свет с цветными фильтрами превращал её белые платья и рукава в художественное движение. Ручная окраска часто использовалась в ранних «трюковых» и фантастических фильмах Европы, особенно в работах Жоржа Мельеса. Мельес начал тонировать свои фильмы вручную ещё в 1897 году, а фильмы «Золушка» (1899) и «Жанна д’Арк» (1900) являются ранними примерами раскрашенных вручную фильмов, где цвет играл важную роль в сценографии или мизансцене. Такая точная тонировка выполнялась в мастерской Элизабет Тюйлье в Париже, где команды художниц добавляли слои цвета на каждый кадр вручную, а не использовали более распространённый (и менее дорогой) метод трафаретной печати. Недавно восстановленная версия фильма Мельеса «Путешествие на Луну», впервые выпущенного в 1902 году, демонстрирует обильное использование цвета, призванного добавить текстуру и выразительность изображению. Комментарии американского дистрибьютора в каталоге фильмов 1908 года ещё больше подчеркивают лидирующие позиции Франции в области ручной окраски фильмов в начале эпохи немого кино. Дистрибьютор предлагал к продаже по разным ценам фильмы Pathé, Urban Eclipse, Gaumont, Kalem, Itala Film, Ambrosio Film и Selig. Некоторые из более длинных и престижных фильмов в каталоге предлагались как в стандартном черно-белом «обычном материале», так и в «раскрашенном» цвете. Например, обычная копия фильма «Бен-Гур» (1907) предлагалась за 120 долларов (120 долларов в 1908 году эквивалентны примерно <расчетной сумме> в современных долларах США), в то время как цветная версия того же 1000-футового 15-минутного фильма стоила 270 долларов (270 долларов в 1908 году эквивалентны примерно <расчетной сумме> в современных долларах США), включая дополнительную плату за окраску в 150 долларов, что составляло 15 центов за фут. Первые вестерны снимались на киноранчо Фреда Скотта в Саут-Бич, на острове Статен-Айленд. Актёры, одетые в костюмы ковбоев и индейцев, скакали по съёмочной площадке ранчо Скотта, где была главная улица, широкий выбор дилижансов и 56-футовый частокол. Остров служил подходящей заменой для самых разных локаций, таких как пустыня Сахара и площадка для крикета в Великобритании. Военные сцены снимались на равнинах Грасмир, на острове Статен-Айленд. «Опасности Полин» и его ещё более популярное продолжение «Подвиги Элейн» были сняты в основном на острове. Так же как и блокбастер 1906 года «Жизнь ковбоя» от компании Эдвина С. Портера, а съёмки переехали на Западное побережье около 1912 года.

With the lack of natural color processing available, films of the silent era were frequently dipped in dyestuffs and dyed various shades and hues to signal a mood or represent a time of day. Hand tinting dates back to 1895 in the United States with Edison's release of selected hand tinted prints of Butterfly Dance. Additionally, experiments in color film started as early as in 1909, although it took a much longer time for color to be adopted by the industry and an effective process to be developed. Blue represented night scenes, yellow or amber meant day. Red represented fire and green represented a mysterious atmosphere. Similarly, toning of film (such as the common silent film generalization of sepia toning) with special solutions replaced the silver particles in the film stock with salts or dyes of various colors. A combination of tinting and toning could be used as an effect that could be striking. Some films were hand tinted, such as Annabelle Serpentine Dance (1894), from Edison Studios. In it, Annabelle Whitford, a young dancer from Broadway, is dressed in white veils that appear to change colors as she dances. This technique was designed to capture the effect of the live performances of Loie Fuller, beginning in 1891, in which stage lights with colored gels turned her white flowing dresses and sleeves into artistic movement. Hand coloring was often used in the early "trick" and fantasy films of Europe, especially those by Georges Méliès. Méliès began hand tinting his work as early as 1897 and the 1899 Cendrillion (Cinderella) and 1900 Jeanne d'Arc (Joan of Arc) provide early examples of hand tinted films in which the color was a critical part of the scenography or mise en scène; such precise tinting used the workshop of Elisabeth Thuillier in Paris, with teams of female artists adding layers of color to each frame by hand rather than using a more common (and less expensive) process of stenciling. A newly restored version of Méliès' A Trip to the Moon, originally released in 1902, shows an exuberant use of color designed to add texture and interest to the image. Comments by an American distributor in a 1908 film supply catalog further underscore France's continuing dominance in the field of hand coloring films during the early silent era. The distributor offers for sale at varying prices "High Class" motion pictures by Pathé, Urban Eclipse, Gaumont, Kalem, Itala Film, Ambrosio Film, and Selig. Several of the longer, more prestigious films in the catalog are offered in both standard black and white "plain stock" as well as in "hand painted" color. A plain stock copy, for example, of the 1907 release Ben Hur is offered for $120 ($120.0 in 1908 is equivalent to about <calculated amount> in recent years USD today), while a colored version of the same 1000 foot, 15 minute film costs $270 ($270.0 in 1908 is equivalent to about <calculated amount> in recent years) including the extra $150 coloring charge, which amounted to 15 cents more per foot. The first westerns were filmed at Fred Scott's Movie Ranch in South Beach, Staten Island. Actors costumed as cowboys and Native Americans galloped across Scott's movie ranch set, which had a frontier main street, a wide selection of stagecoaches and a 56 foot stockade. The island provided a serviceable stand in for locations as varied as the Sahara desert and a British cricket pitch. War scenes were shot on the plains of Grasmere, Staten Island. The Perils of Pauline and its even more popular sequel The Exploits of Elaine were filmed largely on the island. So was the 1906 blockbuster Life of a Cowboy, by Edwin S. Porter Company, and filming moved to the West Coast around 1912.

Самые кассовые немые фильмы в США

Ниже перечислены американские фильмы эпохи немого кино, которые к 1932 году имели самые высокие валовые сборы. Указанные суммы – это валовая арендная плата (доля дистрибьютора в кассовых сборах), а не общие кассовые сборы.

Название Год Режиссёр(ы) Валовая арендная плата
1915 10 000 000
1925 6 400 000
Бен-Гур 1925 5 500 000
Малыш 1921 Чарли Чаплин 5 450 000
Путь на восток 1920 5 000 000
Городские огни 1931 4 300 000
Золотая лихорадка 1925 Чарли Чаплин 4 250 000
1928 3 800 000
1923 3 800 000
1923 3 500 000
1923 3 400 000
Сироты шторма 1921 3 000 000
Ради Бога 1926 2 600 000
Дорога к разрухе 1928 Нортон С. Паркер 2 500 000
Седьмое небо 1928 Фрэнк Борзаж 2 500 000
Какая цена славы? 1926 2 400 000
Аби Ирландская роза 1928 1 500 000

Позднее дань уважения

Несколько кинематографистов отдали дань уважения комедиям эпохи немого кино, включая Чарли Чаплина с фильмом «Современные времена» (1936), Орсона Уэллса с фильмом «Слишком много Джонсона» (1938), Жака Тати с фильмом «Отпуск месье Юло» (1953), Пьера Этайя с фильмом «Ухажёр» (1962) и Мела Брукса с фильмом «Немое кино» (1976). В известной драме тайваньского режиссёра Хоу Сяосяня «Трижды» (2005) в середине третьей части отсутствует звук, используются интертитры; в фильме Стэнли Туччи «Самозванцы» есть открывающая немая сцена в стиле ранних немых комедий. Немой фильм бразильского режиссёра Ренато Фалькао «Пир Маргаретты» (2003). Писатель и режиссёр Майкл Плекайтис вносит свой собственный поворот в жанр с фильмом «Silent» (2007). Хотя и не немые, телесериал и фильмы о мистере Бине использовали немногословность главного героя, чтобы создать похожий стиль юмора. Менее известным примером является фильм Джерома Савари «Дочь дежурного по переезду» (1975) – дань уважения фильмам эпохи немого кино, использующая интертитры и сочетающая комедию, драму и откровенные сексуальные сцены (что привело к отказу британского совета по классификации фильмов в выдаче прокатного удостоверения). В 1990 году Чарльз Лейн снялся и выступил режиссёром фильма «Истории с тротуара», низкобюджетная дань уважения сентиментальным немым комедиям, в частности фильму Чарли Чаплина «Малыш». Немецкий фильм «Тувалу» (1999) в основном немой; небольшое количество диалогов представляет собой странную смесь европейских языков, что усиливает универсальность фильма. Гай Мэддин получил награды за свою дань уважения советским немым фильмам с короткометражкой «Сердце мира», после которой он снял полнометражный немой фильм «Клеймо на мозгу!» (2006), включив в него живых специалистов по звуковому оформлению, закадровый голос и оркестр на избранных показах. «Тень вампира» (2000) – это сильно вымышленное изображение съёмок классического немого вампирского фильма Фридриха Вильгельма Мурнау «Носферату» (1922). Вернер Герцог почтил тот же фильм в своей собственной версии «Носферату: Фантом ночи» (1979). Некоторые фильмы проводят прямой контраст между эпохой немого кино и эпохой звукового кино. «Бульвар заката» показывает разрыв между двумя эпохами в образе Нормы Десмонд, которую играет звезда немого кино Глория Свонсон, а «Поющие под дождём» рассказывает о голливудских артистах, приспосабливающихся к звуковому кино. Фильм Питера Богдановича «Никелодеон» (1976) посвящён бурной эпохе немого кино в Голливуде в начале 1910-х годов, что привело к выпуску эпического фильма Д.У. Гриффита «Рождение нации» (1915). В 1999 году финский режиссёр Аки Каурисмяки снял фильм «Юха» в чёрно-белом стиле, который отражает стиль немого кино, используя интертитры вместо разговорного диалога. Для международного распространения были выпущены специальные тиражи с заголовками на нескольких языках. В Индии фильм «Пушпак» (1988) с участием Камала Хасана был чёрной комедией, полностью лишённой диалогов. Австралийский фильм «Доктор Плонк» (2007) – немая комедия режиссёра Рольфа де Хера. Сценические пьесы черпали вдохновение из стилей и источников немого кино. Актеры и авторы Билли Ван Зандт и Джейн Милмор поставили свою комедию «Тихий смех» как живую дань уважения эпохе немого кино. Джефф Собелл и Трей Лайфорд создали и снялись в фильме «Все в котелках» (2004), который начался как дань уважения Лорелу и Харди, а затем превратился в сцены из немого кино с участием Собелла и Лайфорда, переходящих между живым действием и экраном. Анимационный фильм «Фантазия» (1940), состоящий из восьми различных анимационных последовательностей под музыку, можно считать немым фильмом, в котором есть только одна короткая сцена с диалогом. В шпионском фильме «Вор» (1952) есть музыка и звуковые эффекты, но нет диалогов, как и в фильме Тьерри Зено «Свадебная ваза» (1974) и фильме Патрика Бокановски «Ангел» (1982). В 2005 году Историческое общество Х.П. Лавкрафта сняло немую киноверсию рассказа Лавкрафта «Зов Ктулху». Этот фильм сохранил точный стиль съёмок и был признан как «лучшая адаптация Лавкрафта на сегодняшний день» и, ссылаясь на решение снять его как немой фильм, «блестящей идеей». Французский фильм «Артист» (2011), написанный и снятый Мишелем Хазанавичусом, снят как немой фильм и разворачивается в Голливуде в эпоху немого кино. В него также входят фрагменты вымышленных немых фильмов с участием главных героев. Он получил премию «Оскар» за лучший фильм. Японский вампирский фильм «Сангиворы» (2011) не только снят в стиле немого кино, но и гастролировал с живым оркестровым сопровождением. Юджин Чэдборн был одним из тех, кто играл живую музыку к фильму. «Бланканьевес» – испанская чёрно-белая немая фэнтезийная драма 2012 года, написанная и снятая Пабло Бергером. Американский полнометражный немой фильм «Тихая жизнь», начатый в 2006 году с участием Изабеллы Росселлини и Галины Йовович, матери Миллы Йовович, был показан в 2013 году. Фильм основан на жизни иконы немого кино Рудольфа Валентино, известного как первая «Великая любовь» Голливуда. После экстренной операции Валентино теряет связь с реальностью и начинает видеть воспоминания о своей жизни в Голливуде с точки зрения комы – как немой фильм, показанный в кинодворце, как магический портал между жизнью и вечностью, между реальностью и иллюзией. «Пикник» – короткометражный фильм 2012 года, снятый в стиле двухкатушечных немых мелодрам и комедий. Он был частью выставки «Без зрителей: Искусство Burning Man», выставки 2018–2019 годов, организованной Галереей американского искусства Ренвика Смитсоновского института. Фильм был показан внутри миниатюрного 12-местного кинотеатра в стиле ар-деко на колёсах под названием «The Capitol Theater», созданного художественным коллективом Five Ton Crane из Окленда, Калифорния. «Там же» – короткометражный фильм 2013 года, являющийся данью уважения немым комедиям. Британский анимационный фильм «Овцы Шон: Ферма на краю света» (2015), основанный на «Овцах Шон», был выпущен с положительными отзывами и имел кассовый успех. Aardman Animations также создала «Морф» и «Тимми Тайм», а также множество других короткометражных немых фильмов. Американское общество театральных органов отдаёт дань уважения музыке немых фильмов, а также театральным органам, которые исполняли эту музыку. Имея более 75 местных отделений, организация стремится сохранить и продвигать театральные органы и музыку как форму искусства. Глобусский международный фестиваль немого кино (GISFF) – ежегодное мероприятие, посвященное изображению и атмосфере в кино, которое ежегодно проходит в престижном университете или академической среде и является платформой для демонстрации и оценки фильмов кинематографистов, работающих в этой области. В 2018 году режиссёр Кристофер Аннино снял теперь уже получивший международное признание полнометражный немой фильм «Тихие времена». Фильм отдаёт дань уважения многим персонажам 1920-х годов, включая офицера Кистоуна, которого играет Дэвид Блэр, и Энцио Марчелло, который изображает персонажа Чарли Чаплина. «Тихие времена» получил награду за лучший немой фильм на фестивале Oniros Film Festival. Действие фильма разворачивается в небольшом городке Новой Англии и рассказывает об Оливере Генри III (которого играет уроженец Вестерли Джефф Бланшетт), мелком мошеннике, ставшем владельцем варьете. Он иммигрирует в США из скромных начинаний в Англии в поисках счастья и быстрых денег. Он знакомится с людьми из всех слоёв общества, от бурлескных артисток и мимов до бродяг и шикарных девушек-флэпперов, по мере того, как его состояние растёт, а его жизнь становится всё более неуправляемой.

Several filmmakers have paid homage to the comedies of the silent era, including Charlie Chaplin, with Modern Times (1936), Orson Welles with Too Much Johnson (1938), Jacques Tati with Les Vacances de Monsieur Hulot (1953), Pierre Etaix with The Suitor (1962), and Mel Brooks with Silent Movie (1976). Taiwanese director Hou Hsiao hsien's acclaimed drama Three Times (2005) is silent during its middle third, complete with intertitles; Stanley Tucci's The Impostors has an opening silent sequence in the style of early silent comedies. Brazilian filmmaker Renato Falcão's Margarette's Feast (2003) is silent. Writer/director Michael Pleckaitis puts his own twist on the genre with Silent (2007). While not silent, the Mr. Bean television series and movies have used the title character's non talkative nature to create a similar style of humor. A lesser known example is Jérôme Savary's La fille du garde barrière (1975), an homage to silent era films that uses intertitles and blends comedy, drama, and explicit sex scenes (which led to it being refused a cinema certificate by the British Board of Film Classification). In 1990, Charles Lane directed and starred in Sidewalk Stories, a low budget salute to sentimental silent comedies, particularly Charlie Chaplin's The Kid. The German film Tuvalu (1999) is mostly silent; the small amount of dialog is an odd mix of European languages, increasing the film's universality. Guy Maddin won awards for his homage to Soviet era silent films with his short The Heart of the World after which he made a feature length silent, Brand Upon the Brain! (2006), incorporating live Foley artists, narration and orchestra at select showings. Shadow of the Vampire (2000) is a highly fictionalized depiction of the filming of Friedrich Wilhelm Murnau's classic silent vampire movie Nosferatu (1922). Werner Herzog honored the same film in his own version, Nosferatu: Phantom der Nacht (1979). Some films draw a direct contrast between the silent film era and the era of talkies. Sunset Boulevard shows the disconnect between the two eras in the character of Norma Desmond, played by silent film star Gloria Swanson, and Singin' in the Rain deals with Hollywood artists adjusting to the talkies. Peter Bogdanovich's 1976 film Nickelodeon deals with the turmoil of silent filmmaking in Hollywood during the early 1910s, leading up to the release of D. W. Griffith's epic The Birth of a Nation (1915). In 1999, the Finnish filmmaker Aki Kaurismäki produced Juha in black and white, which captures the style of a silent film, using intertitles in place of spoken dialogue. Special release prints with titles in several different languages were produced for international distribution. In India, the film Pushpak (1988), starring Kamal Haasan, was a black comedy entirely devoid of dialog. The Australian film Doctor Plonk (2007), was a silent comedy directed by Rolf de Heer. Stage plays have drawn upon silent film styles and sources. Actor/writers Billy Van Zandt and Jane Milmore staged their Off Broadway slapstick comedy Silent Laughter as a live action tribute to the silent screen era. Geoff Sobelle and Trey Lyford created and starred in All Wear Bowlers (2004), which started as an homage to Laurel and Hardy then evolved to incorporate life sized silent film sequences of Sobelle and Lyford who jump back and forth between live action and the silver screen. The animated film Fantasia (1940), which is eight different animation sequences set to music, can be considered a silent film, with only one short scene involving dialogue. The espionage film The Thief (1952) has music and sound effects, but no dialogue, as do Thierry Zéno's 1974 Vase de Noces and Patrick Bokanowski's 1982 The Angel. In 2005, the H. P. Lovecraft Historical Society produced a silent film version of Lovecraft's story The Call of Cthulhu. This film maintained a period accurate filming style, and was received as both "the best HPL adaptation to date" and, referring to the decision to make it as a silent movie, "a brilliant conceit". The French film The Artist (2011), written and directed by Michel Hazanavicius, plays as a silent film and is set in Hollywood during the silent era. It also includes segments of fictitious silent films starring its protagonists. It won the Academy Award for Best Picture. The Japanese vampire film Sanguivorous (2011) is not only done in the style of a silent film, but even toured with live orchestral accompaniment. Eugene Chadbourne has been among those who have played live music for the film. Blancanieves is a 2012 Spanish black and white silent fantasy drama film written and directed by Pablo Berger. The American feature length silent film Silent Life, which started in 2006 and features performances by Isabella Rossellini and Galina Jovovich, mother of Milla Jovovich, premiered in 2013. The film is based on the life of silent screen icon Rudolph Valentino, known as Hollywood's first "Great Lover". After emergency surgery, Valentino loses his grip on reality and begins to see the recollection of his life in Hollywood from a perspective of a coma – as a silent film shown at a movie palace, the magical portal between life and eternity, between reality and illusion. The Picnic is a 2012 short film made in the style of two reel silent melodramas and comedies. It was part of the exhibit, No Spectators: The Art of Burning Man, a 2018–2019 exhibit curated by the Renwick Gallery of the Smithsonian American Art Museum. The film was shown inside a miniature 12 seat Art Deco movie palace on wheels called The Capitol Theater, created by Oakland, Ca. art collective Five Ton Crane. Right There is a 2013 short film that is an homage to silent film comedies. The 2015 British animated film Shaun the Sheep Movie, based on Shaun the Sheep, was released to positive reviews and was a box office success. Aardman Animations also produced Morph and Timmy Time, as well as many other silent short films. The American Theatre Organ Society pays homage to the music of silent films, as well as the theatre organs that played such music. With over 75 local chapters, the organization seeks to preserve and promote theater organs and music as an art form. The Globe International Silent Film Festival (GISFF) is an annual event focusing on image and atmosphere in cinema which takes place in a reputable university or academic environment every year and is a platform for showcasing and judging films from filmmakers who are active in this field. In 2018, film director Christopher Annino shot the now internationally award winning feature silent film Silent Times. The film pays homage to many of the characters from the 1920s, including Officer Keystone, played by David Blair; Enzio Marchello who portrays a Charlie Chaplin character. Silent Times won best silent film at the Oniros Film Festival. Set in a small New England town, the story centers on Oliver Henry III (played by Westerly native Geoff Blanchette), a small time crook turned vaudeville theater owner. From humble beginnings in England, he immigrates to the US in search of happiness and fast cash. He becomes acquainted with people from all walks of life, from burlesque performers, mimes, hobos to classy flapper girls, as his fortunes rise and his life spins ever more out of control.

Доусон Фильм Найти

Доусон-Сити, расположенный на территории Юкона в Канаде, когда-то был конечной точкой распространения многих фильмов. В 1978 году при раскопках на заброшенном участке, где ранее находилась любительская спортивная ассоциация Доусона, которая начала демонстрировать фильмы в своем рекреационном центре в 1903 году, была обнаружена коллекция из более чем 500 киноплёнок на нитратной основе. В неё вошли работы Перл Уайт, Хелен Холмс, Грейс Кунард, Лоис Вебер, Гарольда Ллойда, Дугласа Фэрбенкса и Лон Чейни, а также множество новостных киножурналов. Эти пленки хранились в местной библиотеке до 1929 года, когда легковоспламеняющаяся нитратная плёнка была использована в качестве подсыпки для заброшенного бассейна. Проведя 50 лет под вечной мерзлотой Юкона, киноплёнки оказались удивительно хорошо сохранившимися. Ввиду своей высокой химической нестабильности и опасности, историческая находка была доставлена военным транспортом в Библиотеку и архивы Канады и Библиотеку Конгресса США для хранения (и переноса на безопасную плёнку). Документальный фильм об этой находке, «Доусон-Сити: Замороженное время», вышел в 2016 году.

Кинофестивали

Ежегодно во всем мире проводятся фестивали немого кино. Capitolfest в Капитолийском театре в Риме, штат Нью-Йорк. Канзасский фестиваль немого кино в Музыкальном зале Канзас-Сити, Канзас-Сити, штат Миссури. Фестиваль немого кино в Сан-Франциско в театре Кастро, Сан-Франциско, Калифорния. Фестиваль немого кино в Торонто в театре Фокс, Торонто, Онтарио. Festival d’Anères в Анере, Франция. Hippodrome Silent Film Festival в Фолкирке, Шотландия. Internationale Stummfilmtage (Международные дни немого кино), который проводится каждый август в Бонне, Германия. Le Giornate del cinema muto (Фестиваль немого кино в Порденоне), проводимый ежегодно в Порденоне, Италия. Это первый и крупнейший международный кинофестиваль, посвященный сохранению, распространению и изучению немого кино. Mykkäelokuvafestivaalit (Международный фестиваль немого кино, Форсса) в Форссе, Финляндия. Фестиваль немого кино Нидерландов в Эйндховене, Нидерланды. The Slapstick Film Festival в Бристоле, Великобритания. Stummfilm Festival Karlsruhe в Карлсруэ, Германия.