Технический аспект театрального и кинопроизводства: от бутафории до спецэффектов.

Введение

Технический аспект театрального, кино- и видеопроизводства, процесс видеоспецэффектов.

Сценическое мастерство – это технический аспект театрального, кино- и видеопроизводства. Оно включает в себя возведение и монтаж декораций, установку и настройку освещения, разработку и приобретение костюмов, грим, управление сценой, звукорежиссуру и приобретение реквизита. Сценическое мастерство отличается от более широкого понятия сценографии. Считаясь технической, а не художественной областью, оно представляет собой прежде всего практическую реализацию художественного замысла художника-постановщика. В своей простейшей форме сценическое мастерство может осуществляться одним человеком (часто руководителем сцены в небольшом спектакле), который организует все декорации, костюмы, освещение и звук, а также координирует работу актёров. В региональных и крупных общественных театрах обычно есть технический директор и штат художников, каждый из которых непосредственно отвечает за свою область дизайна. В значительно более масштабных постановках, например, в современном бродвейском шоу, для успешного проведения спектакля к премьере требуется работа квалифицированных плотников, маляров, электриков, рабочих сцены, швей, парикмахеров и других специалистов. Современное сценическое мастерство – это высокотехнологичная и специализированная область, включающая множество поддисциплин, а также богатую историю и традиции.

Древняя Греция

Греческий театр широко использовал сценическое искусство, а греческий словарь и практика продолжают оказывать влияние на современное западное сценическое искусство. Определяющим элементом сцены греческого театра была скенэ – сооружение в задней части сцены, часто с тремя дверями. Обычно местом действия классической греческой трагедии был дворец, и скенэ украшались в соответствии с этим местом действия. Со стороны зрительного зала к скенэ могли прикрепляться декоративные панели. Декоративные панели эволюционировали от односторонних к двухсторонним, расписанным, которые монтировались и центрировались на вращающемся стержне. Вокруг каждого стержня проходила веревка, позволяя поворачивать панели для смены сцен. Двусторонняя панель в конечном итоге превратилась в периактос. Греческое сценическое искусство было необходимо для повествования в этих произведениях. Эккклема, напоминающая современную платформу на колесах, использовалась для показа смерти персонажа, выкатывая его тело, вместо того чтобы показывать смерть на сцене. Механа – кран для подъема актеров над скенэ – использовалась в концовках пьес, сюжеты которых часто внезапно разрешались появлением бога. Механа является буквальным источником современного выражения «deus ex machina». Освещение спектаклей осуществлялось солнечным светом, часто с использованием определенного времени суток для усиления повествования.

Европа

Пьесы средневековья ставились в различных местах, таких как улицы городов и поселков, где выступали странствующие светские труппы. Некоторые из них также проводились в монастырях, исполнялись группами под контролем церкви, часто изображая религиозные сцены. Место действия могло представлять собой самые разные пространства, как закрытые, так и открытые (например, корнуолльские амфитеатры plen an gwary). Выбор места был обусловлен необходимостью использования реквизита в пьесе. Песни и зрелищные эффекты часто использовались для вовлечения зрителей. Более современное сценическое мастерство начало развиваться в Англии в период с 1576 по 1642 год. В Лондоне существовало три типа театров: публичные, частные и придворные. Размеры и форма театров варьировались, но многие представляли собой круглые здания. Публичные театры, такие как театр «Глобус», использовали систему блоков и канатов, размещенных в помещении на крыше, для подъема и спуска декораций или актеров, а также использовали возвышенную сцену, развивая практику использования люков в театральных постановках. Большинство театров имели круглую форму с открытым пространством над зрительским залом, чтобы солнечный свет мог проникать и освещать сцену. Просцениумные сцены, или сцены-картинки, были построены во Франции во время английской Реставрации и до сих пор остаются самой популярной формой сцены, изначально сочетая в себе элементы скены, по сути, воссоздавая скену на сцене. Освещение в ту эпоху обеспечивалось свечами, используемыми в качестве нижнего света, и люстрами, подвешенными над сценой. Сценическое мастерство в викторианскую эпоху в Англии быстро развивалось с появлением Вест-Энда. Под влиянием притока жителей в район Большого Лондона парламент был вынужден отменить прежние законы о лицензировании и разрешить всем театрам ставить драматические спектакли в 1843 году. Для привлечения большой аудитории, чтобы увидеть на сцене штормы, взрывы и чудесные превращения, были внедрены электрическое освещение и гидравлические системы. Технологии, разработанные в конце XIX века, подготовили почву для создания спецэффектов в кино. Освещение продолжало совершенствоваться. В Англии была разработана лампа, использующая горелку для нагрева извести до состояния свечения, изначально для навигационных целей, но вскоре адаптированная для театральных представлений, и прожектор стал широко распространенной формой искусственного освещения в театрах. Для управления фокусом света использовалась линза Френеля. После свечей появилось газовое освещение, с использованием труб с небольшими отверстиями, которые зажигались перед каждым представлением и могли быть приглушены путем регулирования подачи газа, при условии, что пламя не погасло. С наступлением XX века многие театральные компании, переходящие с газового освещения на электрическое, устанавливали новую систему рядом со старой, что приводило к многочисленным взрывам и пожарам из-за воспламенения газовых труб электричеством. Современное театральное освещение основано на электричестве. Сегодня используется множество ламп и осветительных приборов, и эта область стремительно становится одной из самых разнообразных и сложных в индустрии.

Plays of Medieval times were held in different places such as the streets of towns and cities, performed by traveling, secular troupes. Some were also held in monasteries, performed by church controlled groups, often portraying religious scenes. The playing place could represent many different things such as indoors or outdoors (as in the Cornish plen an gwary amphitheatres). They were played in certain places so the props could be used for the play. Songs and spectacles were often used in plays to enhance participation. More modern stagecraft was developed in England between 1576 and 1642. There were three different types of theaters in London – public, private and court. The size and shape varied but many were suggested to be round theaters. Public playhouses such as the Globe Theatre used rigging housed in a room on the roof to lower and raise scenery or actors, and used the raised stage by developing the practice of using trap doors in theatrical productions. Most of the theaters had circular design, with an open area above the pit to allow sunlight to enter and light the stage. Proscenium stages, or picture box stages, were constructed in France around the time of the English Restoration, and maintain the place of the most popular form of stage in use to date, and originally combined elements of the skene in design, essentially building a skene on stage. Lighting of the period would have consisted of candles, used as foot lights, and hanging from chandeliers above the stage. Stagecraft during the Victorian era in England developed rapidly with the emergence of the West End. Prompted by and influx of urbanites in the greater London area, Parliament was forced to do away with previous licensing laws and allowed all theaters to perform straight plays in 1843. Electric lighting and hydraulics were introduced to draw large audiences to see on stage storms, explosions, and miraculous transformations. Technologies developed during the latter part of the 19th century paved the way for the development of special effects to be used in film. Lighting continued to develop. In England, a form lamp using a blowpipe to heat lime to incandescence was developed, for navigation purposes – it was soon adapted to theatrical performances and the limelight became a widespread form of artificial light for theaters. To control the focus of the light, a Fresnel lens was used. After candles, came gas lighting, using pipes with small openings which were lit before every performance, and could be dimmed by controlling the flow of gas, so long as the flame never went out. With the turn of the 20th century, many theater companies making the transition from gas to electricity would install the new system right next to the old one, resulting in many explosions and fires due to the electricity igniting the gas lines. Modern theatrical lighting is electrically based. Many lamps and lighting instruments are in use today, and the field is rapidly becoming one of the most diverse and complex in the industry.

Декорации

Театральный дизайнер, ответственный за организацию визуальных и звуковых аспектов сценической постановки, традиционно известен как художник-постановщик. Эта условность возникла по практическим соображениям, обеспечивая эффективность процесса проектирования. Войдя в театр, зрители сразу же обращают внимание на оформление сцены, формируя свое первоначальное впечатление о спектакле. В этот момент дизайнеры устанавливают концепцию постановки, определяют ее стиль, создают настроение и атмосферу, а также задают тон, раскрывая время и место действия. Художники-постановщики намеренно выбирают элементы, чтобы сформировать у зрителей восприятие изображенных в пьесе миров, а не просто реалистично воссоздавать обстановку. На протяжении большей части истории театра не существовало отдельной должности художника-постановщика. Вместо этого театральные работники использовали стандартные декорации или само пространство для создания необходимой обстановки.

Управление этапами

В то время как драматурги, продюсеры, режиссеры, дизайнеры и исполнители выполняют свои определенные роли, именно менеджер сцены координирует сложное взаимодействие между всеми этими важными участниками. Являясь центральной фигурой постановки, менеджер сцены обеспечивает слаженную работу всех аспектов – от персонала до материалов – для воплощения театральной задумки. Его обязанности обширны и включают в себя управление закулисьем, организацию технических отметок и планирование репетиций. Кроме того, менеджер сцены играет ключевую роль в разрешении возникающих проблем и поддержании конструктивного общения между актерами и творческой группой на протяжении всего спектакля. В итоге, даже если основное внимание привлекают актеры и режиссеры, именно усердный труд и профессиональные знания менеджера сцены обеспечивают целостность и профессионализм живого театрального представления.